Chronologie de l'art de la Renaissance

Chronologie de l'art de la Renaissance

  • 1376 - 1455

    La vie de l'artiste italien de la Renaissance Lorenzo Ghiberti.

  • 1377 - 1446

    Vie de l'architecte et sculpteur italien de la Renaissance Filippo Brunelleschi.

  • c. 1390 - 1441

    La vie de l'artiste néerlandophone de la Renaissance Jan van Eyck.

  • 1397 - 1475

    Vie de l'artiste italien de la Renaissance Paolo Uccello.

  • c. 1415

    L'artiste italien de la Renaissance Donatello achève sa sculpture de Saint Georges pour l'Orsanmichele de Florence.

  • 1420 - 1450

    L'artiste italien de la Renaissance Donatello sculpte son David en bronze à Florence.

  • c. 1420 - 1492

    Vie de l'artiste italien de la Renaissance Piero della Francesca.

  • 1425 - 1452

    Le sculpteur italien de la Renaissance Lorenzo Ghiberti travaille sur son deuxième ensemble de portes, les « Portes du paradis », pour le baptistère de la cathédrale de Florence.

  • c. 1430 - 1516

    La vie de l'artiste italien de la Renaissance Giovanni Bellini.

  • 1432

    Le retable de Gand est complété par les artistes néerlandophones de la Renaissance Jan van Eyck et Hubert van Eyck.

  • 1435

    L'architecte italien de la Renaissance Leon Battista Alberti écrit son traité De pictura (Sur la peinture).

  • 1436

    L'artiste italien de la Renaissance Paolo Uccello achève sa fresque équestre de Sir John Hawkwood.

  • 1446 - 1453

    L'artiste italien de la Renaissance Donatello crée ses panneaux de bronze pour le maître-autel de la basilique Sant'Antonio de Padoue.

  • c. 1450

    Le sculpteur italien de la Renaissance Lorenzo Ghiberti écrit ses Commentaires, un mélange d'histoire de l'art et d'autobiographie.

  • c. 1450 - 1523

    Vie de l'artiste italien de la Renaissance Pietro Perugino.

  • 1452 - 1465

    L'artiste italien de la Renaissance Piero della Francesca réalise son cycle de fresques sur la Légende de la Vraie Croix pour l'église San Francesco d'Arezzo.

  • c. 1453

    L'artiste italien de la Renaissance Donatello achève sa statue équestre d'Erasmo da Narni, le Gattamelata ("chat de miel") à Padoue.

  • c. 1455

    L'artiste italien de la Renaissance Piero della Francesca réalise son panneau peint la Flagellation du Christ.

  • c. 1456

    L'artiste italien de la Renaissance Donatello sculpte sa statue en bois d'une Marie-Madeleine pénitente.

  • 1464

    L'architecte italien de la Renaissance Leon Battista Alberti écrit son traité de sculpture.

  • 1465 - 1474

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna travaille sur ses cycles de fresques dans le Palazzo Ducale de Mantoue.

  • c. 1465

    L'artiste italien de la Renaissance Piero della Francesca réalise sa fresque la Résurrection du Christ.

  • c. 1470

    L'artiste italien de la Renaissance Piero della Francesca réalise son portrait du duc d'Urbino, Federico da Montefeltro.

  • 1471 - 1528

    Vie de l'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer.

  • c. 1474

    L'artiste italien de la Renaissance Piero della Francesca écrit son traité sur la perspective en peinture.

  • 1475 - 1564

    La vie de l'artiste italien de la Renaissance Michel-Ange.

  • 1480 - 1484

    L'artiste italien de la Renaissance Sandro Botticelli réalise son tableau La Naissance de Vénus.

  • c. 1480

    L'artiste italien de la Renaissance Giovanni Bellini achève sa peinture Extase de saint François.

  • c. 1482

    L'artiste italien de la Renaissance Sandro Botticelli réalise sa peinture Primavera.

  • c. 1487 - 1576

    Vie de l'artiste italien de la Renaissance Titien.

  • 1490 - 1492

    L'artiste italien de la Renaissance Sandro Botticelli réalise son tableau Lamentation sur le Christ mort.

  • c. 1492

    Léonard de Vinci achève son croquis de l'Homme de Vitruve.

  • 1497 - 1500

    L'artiste italien de la Renaissance Michel-Ange travaille sur son chef-d'œuvre la Pietà.

  • c. 1497 - 1543

    Vie du peintre allemand de la Renaissance Hans Holbein le Jeune.

  • c. 1498

    Léonard de Vinci achève sa fresque murale « La Cène » dans la Sante Maria delle Grazie de Milan.

  • c. 1500

    L'artiste italien de la Renaissance Sandro Botticelli réalise son tableau Mystic Nativity.

  • c. 1500

    L'artiste italien de la Renaissance Giovanni Bellini achève son portrait du Doge Leonardo Loredan.

  • c. 1503 - c. 1506

    Léonard de Vinci achève sa peinture la 'Mona Lisa'.

  • 1504

    L'artiste italien de la Renaissance Michel-Ange achève son chef-d'œuvre la statue de David.

  • c. 1504

    L'artiste italien de la Renaissance Raphaël achève son Mariage de la Vierge.

  • 1504

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer crée son estampe Adam et Eve.

  • c. 1505

    L'artiste italien de la Renaissance Giovanni Bellini achève son retable pour l'église San Zaccaria de Venise.

  • 1507

    L'artiste italien de la Renaissance Raphael achève son tableau La mise au tombeau du Christ (alias La Déposition).

  • 1508 - 1512

    L'artiste italien de la Renaissance Michel-Ange travaille sur sa peinture du plafond de la chapelle Sixtine à Rome.

  • 1511

    L'artiste italien de la Renaissance Raphaël achève ses fresques dans les Stanze della Segnatura du Vatican qui comprennent L'École d'Athènes.

  • c. 1518 - 1594

    Vie du peintre italien de la Renaissance Tintoret (Jacopo Robusti).

  • c. 1520

    L'artiste italien de la Renaissance Michel-Ange achève son chef-d'œuvre de la statue de Moïse pour la tombe du pape Jules II.

  • c. 1525

    Le peintre allemand de la Renaissance Hans Holbein le Jeune crée sa série de 41 estampes la Danse de la mort.

  • 1536

    Le peintre allemand de la Renaissance Hans Holbein le Jeune devient le peintre de la cour d'Henri VIII d'Angleterre.

  • 1545 - 1554

    L'artiste italien de la Renaissance Benvenuto Cellini travaille sur sa sculpture en bronze de Persée et Méduse.

  • 1548

    L'artiste italien de la Renaissance Tintoretto réalise son célèbre tableau Miracle de Saint-Marc au secours d'un esclave.

  • 1564 - 1481

    L'artiste italien de la Renaissance Tintoretto travaille sur son cycle de peintures pour la Scuola Grande di San Rocco de Venise.

  • c. 1570

    L'artiste italien de la Renaissance Tintoretto réalise sa peinture Saint Georges et le Dragon.


De la Renaissance au Post impressionnisme

La première Renaissance, centrée dans l'Italie du XIVe au XVe siècle, a été une période de changement radical et total. C'était la renaissance d'idées intellectuelles profondes et de valeurs classiques de l'humanisme. Des textes grecs et latins anciens ont été redécouverts et enseignés aux étudiants en herbe. Dans cette nouvelle période où l'humanisme a commencé à s'élever, les artistes ont commencé à mettre plus de valeur sur les humains eux-mêmes plutôt que sur les dieux et les déesses. Les peintres ont imité le style des peintures classiques, en mettant l'accent sur la symétrie et la forme parfaite.

Artistes célèbres et leurs arts :
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
"Portes du Paradis" (1450)

Donatello (1386-1466)
"David" (1440)

Fra Angelico (1395-1455)
"L'Annonciation" (1450)

Sandro Botticelli (1445-1510)
"La Primavera" (1482)

Haute Renaissance

La Haute Renaissance, comme la Première Renaissance, était centrée en Italie. Au cours de cette période, la valeur artistique et le style des œuvres de la Rome antique et de la Grèce ont été récupérés. Les connaissances acquises à partir de ces pièces d'art anciennes, ainsi que les techniques apprises au début de la Renaissance, se sont épanouies dans les œuvres de la Haute Renaissance. Les peintures de cette période montrent que les artistes utilisaient la peinture à l'huile, maîtrisaient les compétences d'expressions faciales très complexes et l'utilisation de différents tons de couleur,

Les artistes de la Haute Renaissance étaient extrêmement ambitieux - leur objectif était de s'appuyer sur les connaissances acquises par les artistes anciens. Les artistes célèbres de cette période étaient multi-talentueux. Léonard de Vinci, par exemple, était un artiste, un scientifique, un ingénieur, un inventeur, un anatomiste, un philosophe et bien plus encore. Michel-Ange était aussi très talentueux, il était un peintre, un sculpteur et un poète très doué. Les connaissances acquises à cette époque sont encore importantes et significatives aujourd'hui.

Artistes célèbres et leurs œuvres d'art :

Michel-Ange
"David" (1504)

Raphaël
"Madonna del Parto"

Titien
"Assomption de la Vierge" (1518)

Giorgione
"Les Trois Philosophes" (1509)

Maniérisme

Le maniérisme est utilisé pour décrire les œuvres d'art d'Italie, et le « maniérisme du Nord » est utilisé pour décrire les peintures maniéristes d'Europe du Nord. Les œuvres d'art créées au cours de cette période étaient radicalement différentes de celles de la Renaissance. C'était une autre ère de changements uniques.
Le maniérisme était une époque où les artistes peignaient avec une distorsion trop élaborée, un positionnement bizarre des corps humains et des espaces ambigus. On peut dire que ces peintures étaient "maniées", avec de la complexité et des significations profondes derrière des figures à la fois naturelles et imaginatives.

Artistes et leurs œuvres d'art :
Anglais
"Une allégorie de Vénus et Cupidon" (1545)

Parmigianino
"Madonna dal Colla Lungo" (1535)

Michel-Ange
"Le Jugement dernier" (1541)

Giambologna
"Le Viol des Sabines" (1582)

Benvenuto Cellini
"Persée avec la tête de Méduse" (1541)

Jacopo Pontormo
"Joseph en Egypte" (1518)

Bronzino
"Portrait de Bia de'Medici" (1545)

Giuseppe Arcimboldo
"Automne" (1573)

Art baroque

En 1517, Martin Luther King envoya ses « 95 thèses », un document qui critiquait fortement l'église catholique en raison de sa cupidité et de ses abus de pouvoir. Martin Luther King pensait qu'il était mal et injuste que l'église catholique sauve les humains du péché seulement s'ils étaient loyaux et fidèles - il semblait que les bonnes actions n'avaient aucune importance. En réponse, l'église catholique a été divisée et les protestants ont émergé pour soutenir les idées de Martin Luther King.

Cette réforme religieuse a fortement influencé la culture, la politique et, surtout, l'art.
Cet événement a créé une période importante dans l'histoire de l'art appelée « Art baroque », qui était centrée à Rome, mais qui s'est finalement étendue à la majeure partie de l'Europe. L'art baroque était très différent des arts de la Renaissance ou du maniérisme. Les peintures étaient généralement directes, évidentes et dramatiques. Les arts aussi très proches de la réalité - beaucoup de gens ont pu se connecter avec eux. L'utilisation de la couleur est également un aspect important de l'art baroque. Les artistes baroques utilisaient des couleurs très dramatiques et aimaient les contrastes, comme le noir et blanc, la lumière et l'obscurité. Une différence majeure avec l'art de la Renaissance est que l'art baroque a beaucoup de figures qui se chevauchent, tandis que les artistes de la Renaissance ont peint des figures aussi réalistes que possible.

Artistes célèbres et arts :
Giovanni Lorenzo Bernin
"L'Extase de Sainte Thérèse" (1652)

Caravage
"La Conversion sur le chemin de Damas" (1601)

Pierre-Paul Rubens
"Les quatre continents" (1615)

Rembrandt Harmenszoon van Rijn
"Descente de Croix" (1634)

Diego Valazquez
"Las Meninas" (1656)

Art Rococo

Louis XIV fut le roi qui régna sur la France pendant 72 ans et 110 jours. Sa mort en 1715, a créé un passage de la monarchie à une aristocratie. En réponse à ce changement de direction, ce nouveau style d'art, le rococo, a émergé. L'art rococo était centré en France et au lieu d'utiliser des couleurs dramatiques, il utilisait des couleurs pastel douces. Les peintures et autres formes d'art de cette période représentaient souvent la riche vie aristocratique. Les thèmes mythologiques étaient souvent une grande partie de l'art, et de nombreux artistes ont transmis des idées sous-jacentes comme la beauté, la romance, l'enjouement ou peut-être les symboles sexuels.

uvres d'art célèbres :
Jean-Antoine Watteau
"L'embarquement pour Cythère" (1717)

François Lemoyne
"Hercule et Omphale" (1724)

Jean-Baptiste van Loo
"Le Triomphe de Galatée" (1720)

François Hayman
"Laitières dansantes" (1735)

Jean-Honoré Fragonard
"Une jeune fille lisant" (1776)

Jean-Antoine Watteau
"Pèlerinage à Cythère" (1717)

Jean-Honoré Fragonard
"La balançoire" (1767)

Le romantisme

Après la Révolution française de 1784, lorsque les citoyens ordinaires ont eu une bataille majeure avec les riches aristocrates, l'Europe était au milieu de crises politiques, de guerres et de changements dramatiques. En réponse à l'état chaotique de l'Europe, une nouvelle période artistique appelée "Romantisme" a commencé en Allemagne, s'étendant finalement à la France, la Grande-Bretagne et d'autres pays européens.
En plus des éléments clés de l'art néoclassique, qui étaient le respect et la responsabilité, le romantisme mettait l'accent sur les aspects émotionnels et spirituels de la vie. Les artistes ont créé l'art qui a représenté les idées inaccessibles. De plus, au milieu du chaos de l'Europe, les artistes ont créé un art qui a fait ressentir aux gens un sentiment de nostalgie. Beaucoup de gens voulaient retourner à l'époque où les choses étaient plus paisibles et plus détendues.

uvres d'art célèbres :
Karl Friedrinch Schinkel
"Cathédrale gothique au bord de l'eau" (1813)

John Constable
"Le chariot de foin" (1821)

J.M.W. Tourneur
"Le navire négrier" (1840)

Théodore Géricault
"Le Radeau de Méduse" (1819)

Eugène Delacroix
"La liberté guidant le peuple" (1830)

Caspar David Friedrich
"Wanderer au-dessus de la mer de brouillard" (1818)

Henri Fuseli
"Le Cauchemar" (1781)

Impressionnisme

L'impressionnisme marque le passage de l'art européen traditionnel à l'art moderne, ainsi connu comme le premier mouvement d'art moderne. Ce style d'art est né à Paris, en France, et s'est finalement répandu aux États-Unis et dans plusieurs autres parties du monde. Refusés des célèbres expositions et salons parrainés par l'État, les peintres impressionnistes louent un atelier et exposent leurs œuvres. Leurs peintures ne sont cependant pas appréciées, mais elles suscitent quelques critiques. Les critiques ont dit que les peintures semblaient incomplètes et ne laissaient qu'une "impression" passagère. Les critiques ne le savaient pas, c'était exactement ce que les peintres essayaient de capturer - une impression.

Les peintures impressionnistes sont très uniques et plus "modernes" par rapport aux autres styles d'art mentionnés précédemment. Les artistes ont étudié la physique optique et ont réussi à créer une représentation plus exacte des couleurs et des tons. Ils ont appliqué plusieurs couleurs de peinture par petites touches, sans beaucoup de précision ni de détail. Il y avait beaucoup de peintures qui représentaient un aperçu particulier d'une scène à l'extérieur.

uvres d'art célèbres :
Edouard Manet
"Le dejeuner sur l'herbe" (1863)

Berthe Morisot
"Dans un parc" (1874)

Camille Pissarro
"Le boulevard Montmartre un matin d'hiver" (1897)

Claude Monet
"Impression Lever du Soleil" (1872)

Pierre Auguste Renoir
"Danse au Moulin de la Galette" (1876)

Edgar Degas
"La classe de ballet" (1874)

Berte Morisot
"Le berceau" (1872)

Claude Monet
"Coquelicots, La promenade " (1873)


Architecture de la Renaissance

Nos rédacteurs examineront ce que vous avez soumis et détermineront s'il faut réviser l'article.

Architecture de la Renaissance, style d'architecture, reflétant la renaissance de la culture classique, qui a pris naissance à Florence au début du XVe siècle et s'est répandu dans toute l'Europe, remplaçant le style gothique médiéval. Il y avait une renaissance des formes romaines antiques, y compris la colonne et l'arc en plein cintre, la voûte du tunnel et le dôme. L'élément de conception de base était la commande. La connaissance de l'architecture classique est venue des ruines de bâtiments anciens et des écrits de Vitruve. Comme à l'époque classique, la proportion était le facteur de beauté le plus important. Les architectes de la Renaissance ont trouvé une harmonie entre les proportions humaines et les bâtiments. Ce souci de proportion s'est traduit par un espace et une masse clairs et faciles à comprendre, qui distinguent le style Renaissance du gothique plus complexe. Filippo Brunelleschi est considéré comme le premier architecte de la Renaissance. celui de Léon Battista Alberti Dix livres sur l'architecture, inspiré de Vitruve, est devenu une bible de l'architecture de la Renaissance. À partir de Florence, le style de la première Renaissance s'est répandu dans toute l'Italie. Le déménagement de Donato Bramante à Rome a inauguré la Haute Renaissance (c. 1500-20). Le maniérisme, le style de la Renaissance tardive (1520-1600), était caractérisé par la sophistication, la complexité et la nouveauté plutôt que par l'harmonie, la clarté et le repos de la Haute Renaissance. La Renaissance tardive a également vu beaucoup de théories architecturales, avec Sebastiano Serlio (1475-1554), Giacomo da Vignola (1507-1573) et Andrea Palladio publiant des livres influents.


Pages Pratiques

Pré-Renaissance au XVIIIe siècle

J'ai créé des chronologies de mouvements artistiques

En raison de la taille des fichiers, j'ai divisé la chronologie en 4 sections :

  • Pré-Renaissance – XVIIIe siècle
  • Du 19e siècle à la fin du 19e siècle
  • Du 20e siècle à l'art moderne
  • Mouvements d'art moderne

La chronologie de cette semaine est Pré-Renaissance - 18ème siècle

Cliquez ici pour télécharger votre 9 pages

J'ai fourni une définition de base de chaque mouvement artistique et inclus les dates et les noms des fondateurs et des artistes les plus éminents de ce mouvement. Chaque artiste a une vignette de son travail. J'ai placé chaque mouvement artistique sur une nouvelle page pour plus de clarté et pour faciliter l'étude de différentes époques.

Ce diaporama nécessite JavaScript.

Utilisez la chronologie de plusieurs manières :

  • Imprimez-le en tant que livre d'art des siècles ou ajoutez-le au livre des siècles d'un étudiant
  • Coupez et collez les pages de bout en bout comme une chronologie artistique
  • Découpez et ajoutez les artistes et leurs miniatures d'œuvres d'art à une chronologie artistique dédiée ou à une chronologie existante
  • Plastifiez et découpez les artistes sous forme de cartes et laissez les enfants faire correspondre les artistes aux époques

Inclus dans ce téléchargement sont les mouvements artistiques suivants :


Pré-Renaissance
Art gothique
Art byzantin
La Renaissance
Le début de la Renaissance
La Haute Renaissance
La Renaissance du Nord
Maniérisme
17ème siècle
Art baroque
18ème siècle
Le style rococo
Néoclassicisme
Art académique
Ukiyo-e japonais

J'ai obtenu toutes les informations pour cette chronologie sur Artcyclopedia.com.

Je téléchargerai bientôt les 2 chronologies suivantes, alors veuillez vous inscrire pour recevoir une notification par e-mail ou mettre mon flux RSS sur votre page d'accueil ! (Vous le trouverez dans ma barre latérale juste sous mon Gravatar.)


Expansion

Une introduction à une gamme de mouvements artistiques qui ont façonné le cours de l'histoire de l'art occidental.

Bienvenue dans notre chronologie de l'histoire de l'art !

Nous avons créé cette chronologie pour illustrer les signes ASLCORE des différents mouvements artistiques, leur chronologie, leurs précurseurs, l'influence qu'ils ont exercée sur les mouvements ultérieurs et les transitions entre eux.

Les différentes techniques et styles artistiques qui ont évolué au fil du temps seront explorés.

En voyant les explications et les exemples d'œuvres d'art de cette période, vous verrez comment l'art lui-même a informé la création de ces nouveaux signes suggérés, et comment les signes eux-mêmes mettent en évidence des aspects notables des mouvements.

Les œuvres d'art de chaque mouvement sont programmées pour être exposées au fur et à mesure que divers aspects sont discutés.

L'explication ASL ainsi que les diaporamas de l'œuvre contribueront à votre compréhension de ce sujet.

Il est important de noter que toutes les dates mentionnées pour les débuts et les fins des mouvements sont approximatives.

En raison de la nature fluide de l'évolution artistique, il n'y a pas de délimitation exacte du début ou de la fin d'un mouvement ou d'un style.

Nous avons soigneusement choisi des œuvres d'art qui sont les exemples les plus clairs indiquant ce mouvement et/ou style particulier.

Les sélections sur cette chronologie vous fourniront un bon point de départ pour une exploration plus approfondie, car il serait impossible de montrer l'intégralité du corpus d'une période dans une seule vidéo.

Cette chronologie se concentre sur l'art occidental, car la plupart des cours d'introduction à l'art mettent principalement l'accent sur cette tradition.

Mais si vos intérêts se situent dans l'art africain ou asiatique, il existe d'autres ressources à découvrir.

Rejoignez-nous pendant que nous plongeons dans la chronologie de l'histoire de l'art !

L'art occidental primitif commence autour de l'année et dure jusqu'en 1400.

Bien sûr, avant cette époque, il y avait beaucoup d'art dans le monde !

Diverses cultures, telles que les Grecs, les Romains et les Égyptiens, ont créé des peintures, des sculptures et d'autres supports qui existent encore.

Mais ce que l'on appelle généralement l'art occidental commence à cette époque et se situe principalement dans la zone définie comme l'Europe.

Parce que la plupart des gens à cette époque étaient analphabètes, l'art était principalement de nature religieuse.

Les fidèles n'ont pas pu accéder aux informations contenues dans les bibles ou autres textes, mais ont plutôt reçu des instructions religieuses en regardant les décorations autour d'eux pendant qu'ils adoraient.

Les récits bibliques, la vie des saints et l'instruction religieuse se trouvaient tous dans les peintures et les sculptures disposées dans l'église.

Pendant cette période, les artistes ne pouvaient exercer la liberté de poursuivre leur art de la manière qu'ils choisissaient.

Au lieu de cela, il existait de fortes conventions artistiques auxquelles ils devaient adhérer, et donc les similitudes visuelles étaient circonscrites.

Par exemple, les peintures n'essayaient pas de représenter des fac-similés réalistes de personnes ou de lieux.

Ils étaient plats, sans utilisation de perspective ou tentatives d'approximation de l'espace en 3 dimensions.

Il existe plusieurs mouvements dans l'art occidental ancien, notamment byzantin, roman, médiéval et gothique.

Vous remarquerez comment l'art de ces périodes a changé au fil du temps.

L'art byzantin couvre la période de 330 à 1450.

Il y a effectivement quelques mouvements qui occupent cette époque, mais le byzantin est le plus facilement reconnaissable.

Le style est cohérent à travers les époques, les lieux et les artistes.

Les artistes ne pouvaient pas suivre leurs propres muses et poursuivre leurs propres styles ou fantaisies créatives.

Ils ont dû suivre les normes strictes de l'époque, incorporant certains éléments qui ont donné lieu à des œuvres d'art très similaires.

Un exemple de ceci est les couleurs plates utilisées pour les arrière-plans, avec des sujets humains faisant face directement au spectateur.

Les images étaient assez plates, il n'y avait aucune tentative de montrer la perspective ou le rendu réaliste.

Les visages n'étaient jamais tournés de profil, mais toujours tournés vers le spectateur.

On utilisait souvent des icônes qui avaient une signification religieuse et symbolique comprise par les téléspectateurs à l'époque.

Des images telles que des fleurs, des arbres ou des moutons peuvent apparaître dans les peintures byzantines, chacune portant un symbolisme intégré.

La couleur a été largement utilisée, des couleurs fortes et unies comme le rouge ou le bleu, avec une utilisation fréquente de l'or.

Souvent, le sujet de la peinture aura un halo doré brillant entourant sa tête, une convention qui a commencé à l'époque byzantine et s'est poursuivie bien au-delà.

De minuscules carreaux configurés pour former des images – appelés mosaïques – ont été créés au cours de ce mouvement.

Il s'agissait généralement de pièces à grande échelle situées sur les murs et les plafonds de l'église pour inspirer et élever les paroissiens pendant leur culte.

Parce que peu de gens étaient alphabétisés, les représentations artistiques d'histoires bibliques servaient d'instruction qui leur était inaccessible à partir de textes écrits.

La vie des saints et d'autres histoires bibliques étaient exposées pour guider la congrégation.

L'art byzantin comprenait des mosaïques, ainsi que des manuscrits ornés, avec certaines lettres et mots richement illustrés.

Des couleurs brillantes et un travail au trait fin ont été utilisés.

Les œuvres d'art byzantines sont renommées car elles ont établi le vocabulaire visuel de la métaphore, des symboles et des motifs qui trouvent des échos dans les mouvements artistiques roman, gothique et autres.

L'art roman occupe une courte période de temps au sein du mouvement artistique byzantin global.

Il nomme un nouveau style d'architecture qui a émergé, rompant avec l'esthétique précédente.

Les bâtiments romans avaient tendance à être construits plus bas, avec des murs et des supports lourds et épais, parfois avec des tourelles arrondies.

Les linteaux de porte n'étaient pas de forme rectangulaire traditionnelle, mais plutôt incurvés en arc.

Des mosaïques étaient exposées, de même que des fenêtres hautes et incurvées.

Les églises devenaient de plus en plus hautes maintenant, et à mesure que les fidèles entraient, leurs regards étaient dirigés vers leur inspiration céleste.

L'art médiéval était entre les années 800 et 1300 après JC.

Vous êtes peut-être curieux de connaître le signe ASLCORE pour médiéval.

Premièrement, cela fait référence à la taille de l'œuvre d'art créée au cours de ce mouvement - qui avait tendance à être assez grande.

La deuxième raison a à voir avec les sujets humains des peintures.

Il s'agissait souvent de représentations de saints ou de figures religieuses dont la divinité était indiquée par la présence de halos, parfois en filigrane d'or.

Cette caractéristique est une caractéristique de l'art médiéval.

Nous avons fusionné ces deux concepts pour créer un signe qui reflète les deux idées.

Lorsque vous examinez côte à côte l'art byzantin et l'art médiéval, vous remarquerez peut-être qu'ils sont assez similaires - le plus frappant, ils sont tous les deux plats/bidimensionnels en apparence, avec des personnes qui semblent presque collées à la surface et flottant sans amarrage dans l'espace.

Les deux styles font un usage intensif du symbolisme et de la métaphore visuelle.

Il n'y a aucune tentative de réalisme ou de rendu naturel, aucune perspective.

Les artistes ne pouvaient pas exercer d'autonomie quant à leurs choix de sujet et de style, mais étaient plutôt liés par les impératifs artistiques de leur époque, ce qui créait une plus grande uniformité entre les images.

L'art byzantin et médiéval dépeint des thèmes religieux et l'instruction biblique.

Cependant, les pièces médiévales différaient sur un aspect remarquable : les artistes utilisaient des matériaux riches et coûteux qui créaient de belles œuvres d'art.

De l'or véritable était mis sur la toile, de même que des bijoux précieux, des pigments et des décorations.

Alors que l'art byzantin avait une portée limitée, l'art médiéval avait différents styles subsidiaires en son sein.

Il y avait les mosaïques et les peintures précédentes, mais maintenant aussi les sculptures et les tapisseries, et l'art manuscrit incroyablement orné.

C'est aussi à l'époque médiévale que l'on peut remarquer les changements d'architecture.

Les premières années du mouvement suivent la sensibilité plus romane, mais au fil du temps, il y a une évolution vers le style gothique.

L'art gothique a été créé entre les années 1150 à 1400.

Auparavant, les personnages dans les peintures étaient placés sur des arrière-plans plats, non destinés à paraître réalistes mais plutôt à remplir une fonction symbolique.

L'art gothique présente des artistes en quête de réalisme chez les personnes qu'ils cherchaient à représenter.

Cependant, il n'y a pas encore eu de tentative systématique de mise en perspective et les arrière-plans sont restés plats et statiques.

Remarquez dans ces exemples d'art gothique à quel point l'art est devenu détaillé et orné !

Dans l'architecture de cette époque, les anciennes structures romanes, plus épaisses et plus lourdes, ont fait place à des bâtiments plus ouverts, aérés et lumineux.

En entrant dans une cathédrale gothique, les paroissiens rencontreraient des espaces d'une hauteur impressionnante, avec des toits à angles aigus et des plafonds en arc brisé.

Un motif structurel particulier soutenait les hauteurs, appelées voûtes d'ogives.

Des vitraux détaillés ont été largement utilisés le long des murs de la galerie, représentant des histoires religieuses pour instruire les fidèles.

L'art de la Renaissance et de la Post-Renaissance s'étend de 1300 à 1850 environ.

Des changements plus spectaculaires sont perceptibles dans un laps de temps plus court que tous les mouvements précédents.

Avant cette ère, les artistes étaient contraints par des conventions strictes et ne pouvaient pas exercer d'autonomie créative pour poursuivre leurs propres styles, ce qui rendait la plupart des arts indiscernables.

Le sujet était principalement religieux.

Avec l'avènement de la Renaissance, tout cela a radicalement changé !

Les artistes ont suivi leurs muses, ce qui a permis à des styles individuels de devenir facilement reconnus comme étant les leurs.

Alors que les sujets religieux étaient encore populaires, d'autres pouvaient désormais être explorés.

Les contes mythologiques, la littérature et les représentations de l'expérience humaine prosaïque étaient tous du fourrage pour les artistes travaillant pendant la renaissance et la post-renaissance, libérant de grandes fontaines de créativité.

L'importance de cette période ne peut pas être surestimée, car les canons résultants ont influencé pratiquement tous les mouvements artistiques qui ont suivi.

La Renaissance peut être considérée comme le catalyseur de nombreux mouvements ultérieurs, tels que le maniérisme, le baroque, le rococo, le néoclassicisme et le romantisme.

La Renaissance a commencé dans l'année et s'est poursuivie jusqu'en 1520.

Le mot « Renaissance » signifie littéralement « renaissance » et, à l'époque, les sensibilités et les idéaux esthétiques grecs et romains classiques étaient en train de renaître.

Dans les périodes précédant immédiatement la Renaissance – byzantine, romane et gothique – l'art était à peu près le même, peu importe qui l'a créé.

Mais les artistes de la Renaissance étaient prêts à ignorer les conventions qui leur avaient été imposées et à laisser libre cours à leur créativité, explorant leurs propres notions de la beauté et la manière dont ils choisissaient d'exprimer leur esthétique personnelle.

L'un des changements les plus remarquables a été dans le réalisme de l'art, en particulier dans l'attention portée aux proportions physiques lors de la représentation des humains.

Les veines, les structures musculaires et squelettiques étaient toutes rendues de manière réaliste, au lieu de corps plats regardant droit devant dans un plan bidimensionnel.

Dans les mouvements précédents, pour indiquer le ciel, par exemple, les arrière-plans étaient généralement d'un bleu uni appliqué à plat sur la surface.

Désormais, les paysages étaient un jeu d'enfant, avec des paysages de montagnes et de lacs en arrière-plan.

Une utilisation sophistiquée de la perspective pouvait maintenant être vue, montrant différents plans de scènes et d'activités, avec des points de fuite convergents pour attirer l'attention des spectateurs dans la toile, se rapprochant d'un espace tridimensionnel.

Les couleurs utilisées sont également devenues plus variées, à mesure que les artistes expérimentaient les peintures à l'huile qui permettaient de mélanger et de superposer de différentes manières.

Une technique appelée clair-obscur est devenue populaire lorsque les artistes ont exploré la frontière liminaire entre la mise en évidence et l'obscurité sur les sujets.

Il y avait trois sources de sujets qui revenaient pendant la Renaissance : les thèmes religieux, bien sûr, restaient forts, les contes et mythes grecs classiques, et maintenant des expériences séculaires étaient montrées, capturant des moments de la vie des humains ordinaires vivant sur terre à cette époque.

L'humanisme - l'idée que peut-être le destin des gens n'était pas nécessairement hors de leur contrôle - était une idée nouvelle qui a fait surface.

Les artistes ont finalement été reconnus et vénérés pour leurs talents, et de riches familles ont servi de mécènes, commandant des œuvres soit pour leur plaisir privé, soit en parrainant financièrement des pièces exposées dans les églises.

Les artistes n'étaient plus considérés comme des commerçants interchangeables, mais comme des praticiens respectés de leur métier.

Le maniérisme est un mouvement qui a commencé vers 1520 et a duré jusqu'en 1580.

C'est un mouvement subsidiaire survenu à la Renaissance.

L'esthétique de cette époque a pris la forme humaine idéale et en a ensuite exagéré des aspects, comme vous le voyez dans la peinture exposée ici.

Remarquez le cou parfaitement formé mais allongé de la femme.

Alors qu'auparavant l'accent de la composition était l'équilibre et la symétrie, les artistes maniéristes ont choisi un élément particulier de la pièce et l'ont souligné, comme pour attirer l'attention sur le fait qu'il était « trop parfait ».

L'art baroque a duré de 1600 à 1700 environ.

La période précédente – le maniérisme – mettait l'accent sur la perfection manifestée dans l'art à cette époque, à tel point qu'il semblait irréaliste, impossible qu'une telle perfection puisse même exister dans ce monde.

Les artistes baroques ont cherché à dépeindre plus de réalisme dans leur travail, le changement le plus évident par rapport aux mouvements précédents étant la représentation de sujets engagés dans des scènes d'action intense.

Au lieu de poses statiques, les décors étaient désormais pleins de mouvements et d'interactions dynamiques. Ces œuvres d'art étaient destinées à évoquer l'émotion chez les spectateurs alors que leurs yeux scrutaient les histoires passionnantes qui se déroulaient devant eux.

Les compositions étaient asymétriques, avec de fortes lignes diagonales qui mettaient l'accent sur le mouvement.

Il y avait généralement une forte source de lumière, ce qui créait des conditions parfaites pour utiliser la technique du clair-obscur.

Les peintures baroques se sont concentrées sur des sujets religieux, des scènes d'importance historique ou des mythes et de la fantaisie.

Il existe également un style architectural associé à la période baroque.

Plutôt que d'être léger et aéré, il est marqué par des structures lourdes avec une pléthore d'ornementations, utilisant des matériaux riches tels que l'or et l'argent.

La période rococo s'étend de 1700 à 1775.

Il a été initié en France par des artistes qui regardaient de travers les œuvres d'art baroques produites en Italie.

Ils voulaient créer leur propre style, en utilisant des couleurs plus douces, des roses, des bleus clairs, des blancs, tout en mettant l'accent sur les courbes et les formes plongeantes.

L'éclairage était doux et diffus, brillant mais pas flagrant.

Le symbolisme et la métaphore étaient présents dans de nombreux éléments de l'œuvre d'art.

Les histoires racontées semblaient simples et sans encombre, montrant des couples en train de courtiser, assis sur des balançoires, profitant d'une vie facile.

Cependant, derrière cet extérieur insouciant, il y avait parfois des récits édifiants pour avertir le spectateur de faux pas potentiels à prendre en compte dans sa propre vie.

Le rococo est une forme d'art belle, élégante et sophistiquée.

Le néoclassicisme a duré de 1765 à 1850, il présente une sensibilité artistique opposée à la nature ludique et légère de l'art rococo.

Le néoclassicisme est revenu à l'esthétique grecque et romaine de l'Antiquité, employant plus d'équilibre, de symétrie et de structures formelles.

Il n'y avait pas de sensation fluide et fluide, mais plutôt des lignes sévères.

La palette de couleurs était plus étroite et les formes étaient géométriques et exactes.

Tout comme les structures politiques devenaient de plus en plus ordonnées, circonscrites et enrégimentées, l'art néoclassique l'était également.

Le romantisme a eu lieu entre 1765 et 1850.

En réponse à la rigueur géométrique du néoclassicisme qui mettait l'accent sur l'ordre grec et romain et la perfection équilibrée, le romantisme souhaitait plutôt transmettre les vicissitudes de l'émotion humaine.

Il cherchait à sonder les profondeurs de l'expérience humaine et à représenter des scènes qui feraient appel à tous les sens.

Souvent, le sujet se concentrait sur les personnes dans la nature, explorant leur relation et leur interaction avec l'environnement qui les entoure.

Le but de l'art romantique était de dépeindre une émotion manifeste et forte.

L'art moderne a commencé dans les années 1850 et s'est poursuivi jusqu'au 20e siècle et au-delà.

Le 19ème siècle a vu l'avènement d'une industrialisation accrue, des progrès dans les modes de transport, la technologie et des sauts d'innovation majeurs, en grande partie à la suite des découvertes faites au cours de l'ère précédente de la Raison.

Les découvertes et méthodologies scientifiques se sont produites parallèlement à de nouvelles manières d'interagir avec les constructions religieuses, ce qui signifie que les manières de penser laïques et non laïques n'étaient plus en concurrence.

Au lieu de cela, ils ont combiné leurs forces pour alimenter l'espoir que l'humanité pourrait atteindre un idéal, et le ciel était la limite !

Les artistes de l'époque étaient imprégnés de cet air du temps et cherchaient à le refléter dans de nouveaux modes d'expression, en utilisant des formes et des matériaux expérimentaux, dans l'espoir de décrire avec précision l'atmosphère sociale et les changements passionnants survenus à leur époque.

Le thème général de l'art moderne comprend plusieurs mouvements.

Un échantillon d'entre eux comprend : le réalisme, l'impressionnisme, le post impressionnisme, l'art déco, l'art nouveau, le cubisme, le surréalisme, la renaissance de Harlem, le futurisme, le pop art et bien d'autres que nous vous présenterons !

Le réalisme s'étend de 1840 à 1880.

Les artistes devenus majeurs pendant le romantisme ont estimé que toute cette émotion débordante ne reflétait pas nécessairement la vérité du sujet.

Ils ont décidé de dépeindre la vie prosaïque qu'ils voyaient autour d'eux, des gens d'apparence réaliste dans des scènes réalistes, effectuant des activités quotidiennes.

Les artistes se sont appuyés sur l'expérience d'observer leur propre vie et les périodes sociologiques et historiques dans lesquelles ils ont vécu, puis dépeignant fidèlement cette réalité sur la toile.

L'impressionnisme a commencé autour et a duré jusqu'en 1890.

Le mouvement précédent du réalisme visait à montrer le monde qui entoure l'artiste, s'efforçant d'utiliser des détails précis pour décrire les expériences quotidiennes des humains, insistant sur ce qu'ils considéraient comme l'authenticité sur la toile.

Mais maintenant, un groupe d'artistes aux alentours a tourné son attention vers l'interrelation de la couleur et de la lumière, comment les différentes qualités d'atmosphères claires et sombres influenceraient la perception de la forme et de la couleur.

Au fur et à mesure que les sources lumineuses changeaient d'intensité et d'angle, la façon dont le sujet apparaîtrait à l'œil le ferait également, comme en témoignent les changements de couleur.

Les artistes sont devenus obsédés non seulement par les sujets, mais aussi par l'atmosphère et le jeu de la lumière réfléchie sur les surfaces qui définissent les sujets.

L'utilisation de lignes clairement définies et la précision des détails n'ont pas été privilégiées, remplacées à la place par une technique de coup de pinceau manifeste.

Alors que les toiles étaient appréciées pour leurs surfaces planes sans application visible de peinture, chaque trait était désormais audacieux et défini, ajoutant de la texture au plan bidimensionnel habituel.

Dans la nature, le monde ne se présente pas comme plat et lisse.

La lumière rebondit, se réfracte et danse sur les facettes modulées de tout ce qu'elle touche, et les artistes se sont efforcés de capturer cette vibration.

Certains artistes ont choisi de représenter le même endroit encore et encore, par exemple la même église ou le même étang, en le peignant à différents moments de la journée pour montrer les changements de couleur et d'humeur.

Le sujet est resté le même, mais les qualités de la lumière et de la couleur ont changé l'apparence de l'œuvre résultante.

Alors quand on pense à l'impressionnisme et à ce qu'il signifie, deux éléments importants coexistent et s'entremêlent - la couleur - et la lumière !

Le post impressionnisme est la période allant de 1885 à 1905.

Le mouvement précédent de l'impressionnisme utilisait une nouvelle technique pour montrer le monde qui les entourait.

Cette même approche était maintenant recouverte de qualités plus expressives pour montrer non seulement ce que nos yeux voient, mais aussi le monde intensément personnel de l'esprit et de l'âme de l'artiste.

Le spectateur en apprendrait davantage sur le sujet, ainsi que sur l'artiste qui a dépeint ce sujet.

Le postimpressionnisme partage en grande partie le même style visuel que l'impressionnisme, en utilisant encore plus de texture et encore moins de détails.

La palette de couleurs était fabuleuse et le style de chaque artiste est facilement reconnaissable car ils avaient une technique variée et personnelle dans leur travail.

Par exemple, Seurat a utilisé de minuscules points de couleur pour créer une peinture cohérente, tandis que Van Gogh a utilisé de larges touches de couleur audacieuses.

L'Art Nouveau est apparu et a persisté jusqu'en 1910, période précédant la Première Guerre mondiale.

Les artistes sont devenus amoureux des formes trouvées dans le monde naturel, telles que les plantes, les vignes, etc.

Au lieu de structures droites et angulaires, les courbes et les lignes plongeantes ont prévalu.

En entrant dans un bâtiment, vous pourriez trouver un escalier avec des rampes faites de vrilles de fer entrelacées et de formes ondulantes.

Les chaises et les tables auraient des éléments de formes vivantes et croissantes dans leurs structures de support.

Les lampes pouvaient briller et dégouliner de couleur lorsqu'elles étaient allumées, reflétant encore plus le monde naturel.

Le fauvisme occupe une brève note dans l'histoire de l'art, qui ne dure que de 1905 à 1910.

Ce groupe d'artistes admirait les mouvements impressionnistes et postimpressionnistes et a décidé de s'appuyer sur les idées de couleurs vives en les exagérant encore plus.

Ces couleurs explosives susciteraient encore plus d'émotion chez le spectateur.

Le monde des critiques d'art et des académies formelles était horrifié par ce qu'ils considéraient comme une surutilisation criarde de la couleur, qui n'a servi qu'à inciter les artistes fauves à utiliser des teintes encore plus éclatantes pour s'exprimer !

L'expressionnisme est identifié à partir de 1930 environ et s'intègre assez bien dans la catégorie générale du modernisme.

L'impulsion de tout art dans ce mouvement est l'état émotionnel d'anxiété et d'appréhension des artistes face à ce qu'ils voyaient se produire dans le monde qui les entourait à cette époque.

La vitesse du changement dans la modernité, les événements mondiaux actuels et le souci d'un avenir incertain ont tous été des inspirations pour une grande partie de l'art expressionniste.

Les caractéristiques de ce style sont l'utilisation de couleurs vives, de formes et de lignes non représentatives allongées ou exagérées.

Le but de l'expressionnisme était de représenter artistiquement les pensées et les préoccupations de l'artiste, et non des représentations réalistes du monde.

L'Art déco a duré de 1910 à environ 1930.

Avant la Première Guerre mondiale, l'Art Nouveau était populaire, c'était le style d'art célèbre qui s'inspirait du monde naturel, utilisant des représentations de feuilles, de fleurs et d'autres formes organiques fluides dans les œuvres d'art, les décorations, les meubles et même les éléments de bâtiments. .

Alors que le monde approchait de l'époque de la Grande Guerre, le désir de faire de l'art reflétait les sentiments actuels de la société.

Les artistes ont décidé que l'utilisation d'éléments géométriques plus sévères permettrait d'accomplir ce sentiment - des lignes répétitives, des triangles, des rectangles et des carrés.

L'une des raisons de cette influence plus mathématique sur l'art était la capacité accrue de le reproduire et de le fabriquer dans des produits que les gens peuvent acheter.

La production de masse signifiait plus de disponibilité, et donc la possibilité pour plus de personnes de posséder ces produits.

Il est plus facile d'outiller des machines pour la fabrication de triangles simples, de carrés et de bords droits par rapport aux formes organiques curvilignes.

Cependant, ce n'est pas parce que ces articles pouvaient désormais être produits en série qu'il y avait un compromis sur la qualité résultant en des articles bon marché.

Un grand soin a été apporté à la conception et à la fabrication, la priorité étant l'utilisation de matériaux riches et robustes.

En entrant dans un bâtiment Art déco, le spectateur verrait des meubles, des décorations et des ornements fascinants, tous avec une esthétique plus moderne.

Le cubisme est un mouvement qui a commencé en 1915 et a duré jusqu'en 1915.

Les deux artistes connus de ce style sont Picasso et Braque.

Avant cette époque, les peintures représentaient l'utilisation réaliste de la perspective, la façon dont nos yeux voient le monde.

Le cubisme a pris différentes vues d'un sujet - comme si l'on pouvait faire un tour à 360 degrés autour du sujet - puis a segmenté des instantanés individuels de chaque vue.

Le cubisme les a tous présentés simultanément dans un plan à deux dimensions.

Et la juxtaposition de multitudes de perspectives a créé des images qui ressemblaient à ceci : le futurisme a commencé et n'a duré que jusqu'en 1914.

Les artistes ont été dynamisés par la vitesse et la trajectoire des changements dans notre monde moderne.

Affaires, industrie, technologie, transports – l'énergie et les vibrations du monde moderne les ont inspirés à tenter des manifestations visuelles dans l'art.

Empruntant des éléments du cubisme - qui dépeint simultanément diverses perspectives de sujet et l'a brisé dans un plan de vision - les artistes futuristes ont changé le concept d'où venaient ces perspectives.

Au lieu que les perceptions du spectateur se déplacent autour de l'objet, l'art futuriste imagine que le spectateur reste immobile et que le sujet lui-même est en mouvement.

Le dadaïsme a eu lieu entre 1916 et 1922.

Un groupe d'artistes regardait le monde qui les entourait, un monde tourbillonnant follement de guerre, de politique, de commerce – et ils se sentaient dégoûtés et consternés.

Ils se sont rebellés, devenant des iconclastes, refusant de respecter les images traditionnellement vénérées dans le monde de l'art.

Ils voulaient créer un art qui illustre l'époque dans laquelle ils vivaient en associant des symboles et des images disparates d'une manière impossible à déchiffrer - et être incompréhensible était le but de l'art Dada !

Le surréalisme a duré de 1924 à 1939 environ.

Le mouvement précédent de l'art Dada était considéré comme négatif dans son rejet des traditions artistiques et esthétiques établies.

Certains artistes ont souhaité évoquer une aura plus positive dans leur travail, ce qui a entraîné leur développement du surréalisme.

Ils cherchaient à laisser libre cours à leur imagination, sans contrainte, sans lien avec la réalité ou ce qui était physiquement possible.

Ils ont exploré l'inconscient, prenant des images de rêves et d'envolées fantaisistes et les juxtaposant de manière absurde, sans se soucier de présenter quoi que ce soit de réaliste.

L'œuvre fonctionnait comme un courant de conscience, non construit et fluide, tout comme dans nos rêves.

La science de la psychologie et les explorations de l'inconscient ont été utilisées comme source d'inspiration pour la création d'œuvres d'art surréalistes.

La Renaissance de Harlem a duré des années 1920 aux années 1940.

Avant cette époque, l'Art avait vu ses changements se produire régulièrement et évoluer lentement.

La Renaissance de Harlem ressemblait plus à un tremblement de terre soudain d'expression.

L'art noir, la littérature, la danse et la musique ont exercé une énorme influence à partir de cette époque.

Inspirés par le jazz et le blues, les artistes noirs ont délibérément travaillé pour décrire l'expérience noire aux États-Unis telle qu'ils la voyaient et la vivaient.

Il y avait une exploration consciente de la vie noire comme séparée de l'hégémonie blanche dominante qui les entourait, et ils ressentaient le besoin d'inculquer la fierté et l'autonomisation, un sens de riche tradition et de respect pour qui ils avaient été et qui ils étaient.

Cette explosion de créativité et d'expression de soi a influencé d'autres cultures privées de leurs droits aux États-Unis à déployer également leurs ailes, et de nombreux styles différents sont nés et se sont développés.

Peu importe la forme ou le contenu de l'œuvre d'art, la priorité était de mettre tous les Afro-Américains au défi de reconnaître leur pouvoir et de se célébrer en tant qu'individus et de leur culture dans son ensemble.

L'expressionnisme abstrait s'étend de 1940 à 1960.

Après la Seconde Guerre mondiale, l'ensemble de l'économie mondiale a changé, affectant tout le monde partout.

L'anxiété générale de l'époque se reflétait dans l'utilisation par les artistes de formes et de couleurs non figuratives.

Un artiste peut éclabousser de la couleur sans discernement sur la toile, ou verser de grandes quantités directement sur la toile en ajoutant des coups de pinceau expressifs et de la texture par la suite.

Le mouvement du corps du peintre lors de la création de l'œuvre a été incorporé et impliqué dans le produit fini.

Le Pop Art dure d'environ à 1970 environ.

Après la Seconde Guerre mondiale, l'économie américaine a prospéré, créant une solide culture de consommation.

Les objets communs – les boîtes de soupe, les chaises, vraiment n'importe quoi – sont devenus des objets du regard artistique.

Les affiches sont devenues populaires dans la culture américaine à cette époque.

Les beaux-arts ont toujours été trop chers pour n'importe qui, mais le Pop Art était facile à reproduire et bon marché, et donc florissant.

La musique et l'art pop américains ont tous deux conquis le monde et diffusé la culture américaine.

Les bastions traditionnels de la communauté artistique n'approuvèrent pas la nouvelle esthétique et firent connaître leur mécontentement.

Cependant, cette nouvelle génération d'artistes n'avait aucun intérêt à empêcher une approche plus jeune et plus fraîche de proliférer.

Le postmodernisme a commencé dans les années 1960 et se poursuit actuellement.

Pour comprendre ses débuts revenons en arrière et revisitons l'Art Moderne.

L'art moderne a ses racines dans la notion de progrès et la croyance en une trajectoire toujours ascendante de l'humanité.

On croyait que tous les aspects du monde – industrie, technologie, vie elle-même – s'amélioraient toujours, se dirigeant vers un idéal.

Si l'on examinait le monde de près, il était évident qu'il y avait des lois, des principes, des règles et des systèmes universels qui pouvaient être découverts grâce à l'utilisation de la raison et de la religion.

Le monde pouvait être compris, nous pouvions lui donner un sens, et donc tout ce que nous pourrions savoir et apprendre contribuerait à cette marche inexorable du progrès vers la perfection inévitable.

Les postmodernistes ont examiné cette image rose de l'avenir avec des yeux sceptiques et ont rejeté cet optimisme quant à la compréhension et à la compréhension des choses comme un rêve optimiste.

Leur réponse fut de déclarer que tout peut être et est l'Art.

L'art a toujours été considéré comme quelque chose qui existait sur un plan d'existence séparé et vénéré, et même ceux qui ont créé des types d'art plus prosaïques semblaient encore penser que l'expression à travers différents médias était quelque chose de distinct de l'expérience quotidienne de la vie.

Les postmodernistes ont insisté sur le fait que les beaux-arts et l'art plus piéton étaient exactement la même chose et que vraiment tout dans le monde est de l'art.

Une table pourrait être considérée comme de l'Art, une chaise pourrait être de l'Art.

Deux briques placées côte à côte pourraient être l'Art.

Encore une fois, tout peut être de l'art !

Ainsi, l'art postmoderne joue avec l'idée d'objets en tant qu'art, et des idées pourraient également être exprimées à travers ces objets normaux.

Parfois, les significations de ces collections de choses et d'idées ne sont pas claires pour le spectateur.

L'art traditionnel traditionnel a toujours fonctionné comme quelque chose à part, à voir, à analyser, à considérer et finalement à comprendre.

L'art postmoderne n'a pas fait de telles promesses de compréhension, laissant souvent l'observateur perplexe quant à ce qu'il regardait.

Il existe plusieurs mouvements sous le terme d'Art Postmoderne :

Ils comprennent l'art conceptuel, l'art de la performance, l'art de l'installation, le graffiti, l'art déconstructiviste et l'art minimaliste.

L'art conceptuel a commencé dans les années 1960 et se poursuit jusqu'à nos jours.

Maintenant, au lieu que l'art n'existe plus uniquement dans les objets physiques, l'art devient en réalité les idées évoquées par ces objets.

Le processus d'engagement intellectuel avec ce que l'on voit crée l'art en interne chez le spectateur, ce qui signifie que l'acte de regarder l'art n'est que le début de l'expérience artistique.

Ainsi, la façon dont on regarde la pièce crée l'idée.

À titre d'exemple, dans cette exposition, l'artiste a voulu que le spectateur réfléchisse à ce que sont les chaises et à ce qu'elles signifient.

Il a placé une vraie chaise, une photographie d'une chaise et la définition du dictionnaire d'une chaise dans une galerie.

Les téléspectateurs ont été obligés de considérer l'essence de ce qu'est une chaise.

Donc, l'idée elle-même est ce avec quoi ils devaient s'engager.

Souvent, les artistes conceptuels utiliseront leur corps comme objets pour évoquer l'idée, soit en tant que toile elle-même, soit en réalisant une activité.

Ici, l'artiste a éjecté de l'eau de sa bouche pour montrer le concept d'une fontaine en devenant littéralement une fontaine lui-même.

Il n'a pas ressenti le besoin de créer une fontaine physique dans l'espace, mais à la place, il a incarné le concept.

Cela a forcé les gens à reconsidérer leurs notions de « fontaine ».

L'art conceptuel libère les objets comme porteurs de sens.

L'artiste place les objets de manière à inciter l'observateur à réfléchir aux idées qui sont suscitées et à ne pas se préoccuper de l'objet physique lui-même.

Le déconstructionnisme est un style architectural répandu de 1960 aux années 1980.

L'architecture a toujours suivi une certaine norme, les bâtiments comportent des matériaux debout et complets dans leur environnement.

Mais le déconstructionnisme a bouleversé tout cela pour présenter un look totalement différent !

Les bâtiments pouvaient désormais être asymétriques et imprévisibles lorsque les visiteurs s'y promenaient et les traversaient.

Les bâtiments pouvaient avoir d'étranges saillies à des angles étranges, et les matériaux bruts à partir desquels ils étaient construits n'étaient pas cachés, mais mis en évidence.

L'aluminium ou les briques seraient à l'air libre pour que tout le monde puisse les voir.

Les structures étaient encore totalement fonctionnelles à l'intérieur, mais à l'extérieur, elles semblaient différentes de tous les styles architecturaux précédents.

C'était une toute nouvelle façon de conceptualiser à quoi pourraient ressembler les bâtiments.

Le minimalisme a eu lieu entre 1960 et 1975.

L'expressionnisme abstrait L'art, avec toute son émotion manifeste, a servi d'inspiration au minimalisme.

Les artistes ont reconsidéré l'essence de l'art et ont déterminé que la simplicité en était la base.

Par conséquent, tous les éléments étrangers doivent être supprimés pour obtenir les éléments, les formes et les matériaux les plus purs et les plus simples.

Les formes pour ce genre d'art sont simples, simples et, vous l'aurez deviné, minimes !

Vous venez de voir les explications de trois mouvements d'art moderne : l'art conceptuel, l'art déconstructionniste et l'art minimaliste.

Quant à ce qui vient ensuite dans le monde de l'Art, eh bien, c'est à vous de décider !

Allez-y et créez quelque chose qui vous ressemble et contribuez à cet avenir !


Contenu

L'histoire de l'art est une pratique interdisciplinaire qui analyse les divers facteurs – culturels, politiques, religieux, économiques ou artistiques – qui contribuent à l'apparence visuelle d'une œuvre d'art.

Les historiens de l'art emploient un certain nombre de méthodes dans leurs recherches sur l'ontologie et l'histoire des objets.

Les historiens de l'art examinent souvent l'œuvre dans le contexte de son époque. Au mieux, cela se fait dans le respect des motivations et des impératifs de son créateur en tenant compte des désirs et des préjugés de ses mécènes et sponsors avec une analyse comparative des thèmes et des approches des collègues du créateur et des enseignants et en tenant compte de l'iconographie et du symbolisme. En bref, cette approche examine l'œuvre d'art dans le contexte du monde dans lequel elle a été créée.

Les historiens de l'art examinent également souvent le travail à travers une analyse de la forme, c'est-à-dire l'utilisation par le créateur de la ligne, de la forme, de la couleur, de la texture et de la composition. Cette approche examine comment l'artiste utilise un plan d'image en deux dimensions ou les trois dimensions de l'espace sculptural ou architectural pour créer son art. La façon dont ces éléments individuels sont employés donne lieu à un art figuratif ou non figuratif. L'artiste imite-t-il un objet ou l'image peut-elle être trouvée dans la nature ? Si c'est le cas, il est représentatif. Plus l'art se rapproche de l'imitation parfaite, plus l'art est réaliste. L'artiste n'imite-t-il pas, mais s'appuie-t-il plutôt sur le symbolisme ou s'efforce-t-il de manière importante de capturer l'essence de la nature, plutôt que de la copier directement ? Si c'est le cas, l'art est non figuratif, également appelé abstrait. Le réalisme et l'abstraction existent sur un continuum. L'impressionnisme est un exemple d'un style de représentation qui n'était pas directement imitatif, mais s'efforçait de créer une « impression » de la nature. Si l'œuvre n'est pas figurative et est une expression des sentiments, des aspirations et des aspirations de l'artiste ou est une recherche d'idéaux de beauté et de forme, l'œuvre est non figurative ou une œuvre d'expressionnisme.

Une analyse iconographique est une analyse qui se concentre sur des éléments de conception particuliers d'un objet. A travers une lecture attentive de tels éléments, il est possible de retracer leur filiation, et avec elle de tirer des conclusions sur les origines et la trajectoire de ces motifs. À son tour, il est possible de faire un certain nombre d'observations concernant les valeurs sociales, culturelles, économiques et esthétiques des responsables de la production de l'objet.

De nombreux historiens de l'art utilisent la théorie critique pour encadrer leurs recherches sur les objets. La théorie est le plus souvent utilisée lorsqu'il s'agit d'objets plus récents, ceux de la fin du XIXe siècle. La théorie critique en histoire de l'art est souvent empruntée aux universitaires littéraires et implique l'application d'un cadre analytique non artistique à l'étude des objets d'art. Les théories féministes, marxistes, critiques de la race, queer et postcoloniales sont toutes bien établies dans la discipline. Comme dans les études littéraires, il existe un intérêt parmi les chercheurs pour la nature et l'environnement, mais la direction que cela prendra dans la discipline reste à déterminer.

Plus récemment, les médias et la technologie numérique ont introduit des possibilités d'analyses visuelles, spatiales et expérientielles. Les formes pertinentes varient des films aux formes interactives, y compris les environnements virtuels, les environnements augmentés, les médias situés, les médias en réseau, etc. Les méthodes permises par ces techniques sont en cours de développement et promettent d'inclure des approches qualitatives qui peuvent mettre l'accent sur la narration, le dramatique, l'émotionnel. et les caractéristiques ludiques de l'histoire et de l'art. [5]

Pline l'Ancien et les précédents anciens Modifier

Les premiers écrits survivants sur l'art qui peuvent être classés comme histoire de l'art sont les passages de Pline l'Ancien Histoire naturelle (c. 77-79 après JC), concernant le développement de la sculpture et de la peinture grecques. [6] À partir d'eux, il est possible de retracer les idées de Xénocrate de Sicyone (vers 280 av. J.-C.), un sculpteur grec qui fut peut-être le premier historien de l'art. [7] L'œuvre de Pline, bien qu'essentiellement une encyclopédie des sciences, a donc exercé une influence à partir de la Renaissance. (Des passages sur les techniques utilisées par le peintre Apelle c. (332-329 av. la classe érudit-officiel. Ces écrivains, maîtrisant nécessairement la calligraphie, étaient eux-mêmes des artistes. Les artistes sont décrits dans le Six principes de la peinture formulé par Xie He. [8]

Vasari et biographies des artistes Modifier

Alors que des souvenirs personnels d'art et d'artistes ont longtemps été écrits et lus (voir Lorenzo Ghiberti Commentaires, pour le meilleur exemple ancien), [9] c'était Giorgio Vasari, le peintre toscan, sculpteur et auteur de la La vie des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, qui a écrit le premier vrai l'histoire d'art. [10] Il a souligné la progression et le développement de l'art, qui était une étape importante dans ce domaine. Il s'agissait d'un récit personnel et historique, présentant des biographies d'artistes italiens individuels, dont beaucoup étaient ses contemporains et ses connaissances personnelles. Le plus célèbre d'entre eux était Michel-Ange, et le récit de Vasari est éclairant, bien que biaisé [ citation requise ] par endroits.

Les idées de Vasari sur l'art ont eu une énorme influence et ont servi de modèle à beaucoup, y compris dans le nord de l'Europe, l'œuvre de Karel van Mander Schilder-boeck et celle de Joachim von Sandrart Teutsche Akademie. [ citation requise ] L'approche de Vasari a régné jusqu'au XVIIIe siècle, lorsque la critique a été portée contre son récit biographique de l'histoire. [ citation requise ]

Winckelmann et la critique d'art Modifier

Des chercheurs tels que Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), ont critiqué le "culte" de Vasari de la personnalité artistique, et ils ont fait valoir que l'accent réel dans l'étude de l'art devrait être le point de vue du spectateur érudit et non le point de vue unique de l'artiste charismatique . Les écrits de Winckelmann sont ainsi les prémices de la critique d'art. Ses deux œuvres les plus remarquables qui ont introduit le concept de critique d'art ont été Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst, publié en 1755, peu avant son départ pour Rome (Fuseli a publié une traduction anglaise en 1765 sous le titre Réflexions sur la peinture et la sculpture des Grecs), et Geschichte der Kunst des Altertums (Histoire de l'art dans l'Antiquité), publié en 1764 (c'est la première occurrence de l'expression « histoire de l'art » dans le titre d'un livre) ». [11] Winckelmann a critiqué les excès artistiques des formes baroques et rococo et a contribué à réformer le goût en faveur du néoclassicisme plus sobre. Jacob Burckhardt (1818-1897), l'un des fondateurs de l'histoire de l'art, a noté que Winckelmann était « le premier à distinguer les périodes de l'art ancien et à lier l'histoire du style avec l'histoire du monde ». Winckelmann Jusqu'au milieu du XXe siècle, le domaine de l'histoire de l'art était dominé par des universitaires germanophones.L'œuvre de Winckelmann a ainsi marqué l'entrée de l'histoire de l'art dans le discours hautement philosophique de la culture allemande.

Winckelmann a été lu avidement par Johann Wolfgang Goethe et Friedrich Schiller, qui ont tous deux commencé à écrire sur l'histoire de l'art, et son récit du groupe Laocoön a suscité une réponse de Lessing. L'émergence de l'art comme sujet majeur de la spéculation philosophique a été solidifiée par l'apparition de l'œuvre d'Emmanuel Kant Critique du jugement en 1790, et a été favorisé par Hegel's Conférences sur l'esthétique. La philosophie de Hegel a servi d'inspiration directe pour le travail de Karl Schnaase. de Schnaase Niederländische Briefe a établi les fondements théoriques de l'histoire de l'art en tant que discipline autonome, et son Geschichte der bildenden Künste, l'une des premières enquêtes historiques sur l'histoire de l'art de l'Antiquité à la Renaissance, a facilité l'enseignement de l'histoire de l'art dans les universités germanophones. L'enquête de Schnaase a été publiée en même temps qu'un ouvrage similaire de Franz Theodor Kugler.

Wölfflin et analyse stylistique Modifier

Heinrich Wölfflin (1864-1945), qui a étudié sous Burckhardt à Bâle, est le « père » de l'histoire de l'art moderne. Wölfflin a enseigné dans les universités de Berlin, Bâle, Munich et Zurich. Un certain nombre d'étudiants ont poursuivi des carrières distinguées dans l'histoire de l'art, notamment Jakob Rosenberg et Frida Schottmuller. Il a introduit une approche scientifique de l'histoire de l'art, en se concentrant sur trois concepts. Tout d'abord, il a tenté d'étudier l'art en utilisant la psychologie, notamment en appliquant les travaux de Wilhelm Wundt. Il a fait valoir, entre autres, que l'art et l'architecture sont bons s'ils ressemblent au corps humain. Par exemple, les maisons étaient bonnes si leurs façades ressemblaient à des visages. Deuxièmement, il a introduit l'idée d'étudier l'art par comparaison. En comparant des peintures individuelles les unes aux autres, il était capable de faire des distinctions de style. Son livre Renaissance et baroque a développé cette idée et a été le premier à montrer en quoi ces périodes stylistiques différaient les unes des autres. Contrairement à Giorgio Vasari, Wölfflin ne s'intéressait pas aux biographies des artistes. En fait, il a proposé la création d'une « histoire de l'art sans noms ». Enfin, il a étudié l'art basé sur des idées de nation. Il était particulièrement intéressé à savoir s'il y avait un style intrinsèquement « italien » et un style intrinsèquement « allemand ». Ce dernier intérêt s'exprime pleinement dans sa monographie sur l'artiste allemand Albrecht Dürer.

Riegl, Wickhoff et l'école de Vienne Modifier

Contemporaine de la carrière de Wölfflin, une grande école de pensée historique de l'art s'est développée à l'Université de Vienne. La première génération de l'École de Vienne est dominée par Alois Riegl et Franz Wickhoff, tous deux élèves de Moritz Thausing, et se caractérise par une tendance à réévaluer les périodes négligées ou décriées de l'histoire de l'art. Riegl et Wickhoff ont tous deux beaucoup écrit sur l'art de l'Antiquité tardive, qui avant eux avait été considéré comme une période de déclin par rapport à l'idéal classique. Riegl a également contribué à la revalorisation du baroque.

La prochaine génération de professeurs à Vienne comprenait Max Dvořák, Julius von Schlosser, Hans Tietze, Karl Maria Swoboda et Josef Strzygowski. Un certain nombre des historiens de l'art les plus importants du XXe siècle, dont Ernst Gombrich, ont reçu leurs diplômes à Vienne à cette époque. Le terme « deuxième école de Vienne » (ou « nouvelle école de Vienne ») fait généralement référence à la génération suivante d'universitaires viennois, dont Hans Sedlmayr, Otto Pächt et Guido Kaschnitz von Weinberg. Ces chercheurs ont commencé dans les années 1930 à revenir aux travaux de la première génération, en particulier à Riegl et à son concept de Kunstwollen, et a tenté de le développer en une méthodologie historique de l'art à part entière. Sedlmayr, en particulier, a rejeté l'étude minutieuse de l'iconographie, du mécénat et d'autres approches fondées sur le contexte historique, préférant se concentrer sur les qualités esthétiques d'une œuvre d'art. En conséquence, la deuxième école de Vienne a acquis une réputation de formalisme effréné et irresponsable, et a en outre été colorée par le racisme manifeste de Sedlmayr et son appartenance au parti nazi. Cette dernière tendance n'était cependant en aucun cas partagée par tous les membres de l'école Pächt, par exemple, était lui-même juif, et fut contraint de quitter Vienne dans les années 1930.

Panofsky et l'iconographie Modifier

Notre compréhension du 21e siècle du contenu symbolique de l'art vient d'un groupe d'universitaires qui se sont réunis à Hambourg dans les années 1920. Les plus éminents d'entre eux étaient Erwin Panofsky, Aby Warburg, Fritz Saxl et Gertrud Bing. Ensemble, ils ont développé une grande partie du vocabulaire qui continue d'être utilisé au 21e siècle par les historiens de l'art. « L'iconographie » – dont les racines signifient « symboles de l'écriture » ​​fait référence à un sujet d'art dérivé de sources écrites – en particulier les écritures et la mythologie. "Iconologie" est un terme plus large qui fait référence à tout symbolisme, qu'il soit dérivé d'un texte spécifique ou non. Aujourd'hui, les historiens de l'art utilisent parfois ces termes de manière interchangeable.

Panofsky, dans ses premiers travaux, a également développé les théories de Riegl, mais est devenu finalement plus préoccupé par l'iconographie, et en particulier par la transmission de thèmes liés à l'antiquité classique au Moyen Âge et à la Renaissance. À cet égard, ses intérêts coïncidaient avec ceux de Warburg, le fils d'une famille aisée qui avait constitué une impressionnante bibliothèque à Hambourg consacrée à l'étude de la tradition classique dans l'art et la culture ultérieurs. Sous les auspices de Saxl, cette bibliothèque a été développée en un institut de recherche, affilié à l'Université de Hambourg, où Panofsky enseignait.

Warburg mourut en 1929, et dans les années 1930, Saxl et Panofsky, tous deux juifs, durent quitter Hambourg. Saxl s'installa à Londres, emmenant avec lui la bibliothèque de Warburg et fondant le Warburg Institute. Panofsky s'installe à Princeton à l'Institute for Advanced Study. À cet égard, ils faisaient partie d'un afflux extraordinaire d'historiens de l'art allemands dans l'académie anglophone dans les années 1930. Ces chercheurs étaient en grande partie responsables de l'établissement de l'histoire de l'art comme domaine d'études légitime dans le monde anglophone, et l'influence de la méthodologie de Panofsky, en particulier, a déterminé le cours de l'histoire de l'art américain pendant une génération.

Freud et la psychanalyse Modifier

Heinrich Wölfflin n'était pas le seul érudit à invoquer des théories psychologiques dans l'étude de l'art. Le psychanalyste Sigmund Freud a écrit un livre sur l'artiste Léonard de Vinci, dans lequel il a utilisé les peintures de Léonard pour interroger la psyché et l'orientation sexuelle de l'artiste. Freud a déduit de son analyse que Leonardo était probablement homosexuel.

Bien que l'utilisation de matériel posthume pour effectuer la psychanalyse soit controversée parmi les historiens de l'art, d'autant plus que les mœurs sexuelles de l'époque de Léonard et de Freud sont différentes, elle est souvent tentée. L'un des érudits psychanalytiques les plus connus est Laurie Schneider Adams, qui a écrit un manuel populaire, L'art à travers le temps, et un livre Art et psychanalyse.

Un tournant sans méfiance pour l'histoire de la critique d'art est survenu en 1914 lorsque Sigmund Freud a publié une interprétation psychanalytique du Moïse de Michel-Ange intitulée Der Moses des Michelangelo comme l'une des premières analyses psychologiques basées sur une œuvre d'art. [12] Freud a publié cet ouvrage pour la première fois peu de temps après avoir lu le livre de Vasari. Des vies. Pour des raisons inconnues, Freud a initialement publié l'article de manière anonyme.

Jung et les archétypes Modifier

Carl Jung a également appliqué la théorie psychanalytique à l'art. C.G. Jung était un psychiatre suisse, un penseur influent et fondateur de la psychologie analytique. L'approche de Jung en psychologie mettait l'accent sur la compréhension de la psyché en explorant les mondes des rêves, de l'art, de la mythologie, de la religion mondiale et de la philosophie. Une grande partie de son travail a été consacrée à l'exploration de la philosophie orientale et occidentale, de l'alchimie, de l'astrologie, de la sociologie, ainsi que de la littérature et des arts. Ses contributions les plus notables incluent son concept d'archétype psychologique, l'inconscient collectif et sa théorie de la synchronicité. Jung croyait que de nombreuses expériences perçues comme une coïncidence n'étaient pas simplement dues au hasard, mais suggéraient plutôt la manifestation d'événements ou de circonstances parallèles reflétant cette dynamique gouvernante. [13] Il a soutenu qu'une imagerie collective inconsciente et archétypale était détectable dans l'art. Ses idées étaient particulièrement populaires parmi les expressionnistes abstraits américains dans les années 1940 et 1950. [14] Son travail a inspiré le concept surréaliste de dessiner des images à partir des rêves et de l'inconscient.

Jung a souligné l'importance de l'équilibre et de l'harmonie. Il a averti que les humains modernes s'appuient trop fortement sur la science et la logique et bénéficieraient de l'intégration de la spiritualité et de l'appréciation du domaine inconscient. Son travail a non seulement déclenché le travail analytique des historiens de l'art, mais il est devenu une partie intégrante de la création artistique. Jackson Pollock, par exemple, a créé une série de dessins pour accompagner ses séances de psychanalyse avec son psychanalyste jungien, le Dr Joseph Henderson. Henderson, qui a ensuite publié les dessins dans un texte consacré aux séances de Pollock, a réalisé à quel point les dessins étaient puissants en tant qu'outil thérapeutique. [15]

L'héritage de la psychanalyse dans l'histoire de l'art a été profond et s'étend au-delà de Freud et Jung. L'éminente historienne de l'art féministe Griselda Pollock, par exemple, s'appuie sur la psychanalyse à la fois dans sa lecture de l'art contemporain et dans sa relecture de l'art moderniste. Avec la lecture de Griselda Pollock de la psychanalyse féministe française et en particulier les écrits de Julia Kristeva et Bracha L. Ettinger, comme avec les lectures de Rosalind Krauss de Jacques Lacan et Jean-François Lyotard et la relecture curatoriale de l'art de Catherine de Zegher, Théorie féministe écrite dans les champs du féminisme français et de la psychanalyse a fortement influencé le recadrage des artistes hommes et femmes dans l'histoire de l'art.

Marx et l'idéologie Modifier

Au milieu du 20e siècle, les historiens de l'art ont adopté l'histoire sociale en utilisant des approches critiques. L'objectif était de montrer comment l'art interagit avec les structures de pouvoir dans la société. Une approche critique que les historiens de l'art [ qui? ] utilisé était le marxisme. L'histoire de l'art marxiste a tenté de montrer comment l'art était lié à des classes spécifiques, comment les images contiennent des informations sur l'économie et comment les images peuvent rendre le statu quo naturel (idéologie). [ citation requise ]

Marcel Duchamp et Dada Movement ont lancé le style Anti-art. Divers artistes ne voulaient pas créer d'œuvres d'art auxquelles tout le monde se conformait à l'époque. Ces deux mouvements ont aidé d'autres artistes à créer des pièces qui n'étaient pas considérées comme de l'art traditionnel. Le néo-dadaïsme, le surréalisme et le constructivisme sont quelques exemples de styles qui ont ramifié le mouvement anti-art. Ces styles et artistes ne voulaient pas céder aux voies traditionnelles de l'art. Cette façon de penser a provoqué des mouvements politiques tels que la Révolution russe et les idéaux communistes. [16]

L'œuvre d'art de l'artiste Isaak Brodsky 'Shock-worker from Dneprstroi' en 1932 montre son implication politique au sein de l'art. Cette œuvre d'art peut être analysée pour montrer les troubles internes que la Russie soviétique connaissait à l'époque. Le marxiste le plus connu était peut-être Clement Greenberg, qui s'est fait connaître à la fin des années 1930 avec son essai "Avant-Garde et kitsch". [17] Dans l'essai Greenberg a affirmé que l'avant-garde est née afin de défendre les normes esthétiques du déclin du goût impliqué dans la société de consommation et de voir le kitsch et l'art comme des opposés. Greenberg a en outre affirmé que l'art d'avant-garde et moderniste était un moyen de résister au nivellement de la culture produit par la propagande capitaliste. Greenberg s'est approprié le mot allemand « kitsch » pour décrire ce consumérisme, bien que ses connotations aient depuis changé en une notion plus affirmative de matériaux restants de la culture capitaliste. Greenberg plus tard [ lorsque? ] est devenu bien connu pour avoir examiné les propriétés formelles de l'art moderne. [ citation requise ]

Meyer Schapiro est l'un des historiens de l'art marxistes les plus connus du milieu du XXe siècle. Bien qu'il ait écrit sur de nombreuses périodes et thèmes artistiques, il est surtout connu pour ses commentaires sur la sculpture de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance, époque à laquelle il a vu des preuves de l'émergence du capitalisme et du déclin du féodalisme. [ citation requise ]

Arnold Hauser a écrit la première étude marxiste de l'art occidental, intitulée L'histoire sociale de l'art. Il a tenté de montrer comment la conscience de classe se reflétait dans les grandes périodes artistiques. Le livre a été controversé lors de sa publication dans les années 1950 car il fait des généralisations sur des époques entières, une stratégie désormais appelée « marxisme vulgaire ». [ citation requise ]

L'histoire de l'art marxiste a été affinée au département d'histoire de l'art de l'UCLA avec des universitaires tels que T.J. Clark, OK Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno et Max Horkheimer. T.J. Clark a été le premier historien de l'art à écrire d'un point de vue marxiste à abandonner le marxisme vulgaire. Il a écrit les histoires d'art marxistes de plusieurs artistes impressionnistes et réalistes, dont Gustave Courbet et Édouard Manet. Ces livres se sont concentrés de près sur les climats politiques et économiques dans lesquels l'art a été créé. [ citation requise ]

Histoire de l'art féministe Modifier

L'essai de Linda Nochlin "Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes ?" a contribué à enflammer l'histoire de l'art féministe dans les années 1970 et reste l'un des essais les plus lus sur les femmes artistes. Cela a ensuite été suivi par un panel de la College Art Association en 1972, présidé par Nochlin, intitulé « L'érotisme et l'image de la femme dans l'art du XIXe siècle ». En une décennie, des dizaines d'articles, d'articles et d'essais ont soutenu un élan croissant, alimenté par le mouvement féministe de la deuxième vague, de discours critique entourant les interactions des femmes avec les arts en tant qu'artistes et sujets. Dans son essai pionnier, Nochlin applique un cadre critique féministe pour montrer l'exclusion systématique des femmes de la formation artistique, affirmant que l'exclusion de la pratique de l'art ainsi que l'histoire canonique de l'art étaient la conséquence de conditions culturelles qui ont restreint et restreint les femmes dans les domaines de la production artistique. . [18] Les quelques personnes qui ont réussi ont été traitées comme des anomalies et n'ont pas fourni de modèle pour le succès ultérieur. Griselda Pollock est une autre éminente historienne de l'art féministe, dont l'utilisation de la théorie psychanalytique est décrite ci-dessus.

Alors que l'histoire de l'art féministe peut se concentrer sur n'importe quelle période et n'importe quel lieu, une grande attention a été accordée à l'ère moderne. Une partie de cette bourse se concentre sur le mouvement artistique féministe, qui fait spécifiquement référence à l'expérience des femmes. Souvent, l'histoire de l'art féministe propose une « relecture » critique du canon de l'art occidental, comme la réinterprétation par Carol Duncan des Demoiselles d'Avignon. Deux pionnières du domaine sont Mary Garrard et Norma Broude. leurs anthologies Féminisme et histoire de l'art : questionner la litanie, Le discours en expansion : féminisme et histoire de l'art, et Reclaiming Feminist Agency : l'histoire de l'art féministe après le postmodernisme sont des efforts substantiels pour introduire des perspectives féministes dans le discours de l'histoire de l'art. Le duo a également cofondé la Feminist Art History Conference. [19]

Barthes et la sémiotique Modifier

Contrairement à l'iconographie qui cherche à identifier le sens, la sémiotique s'intéresse à la façon dont le sens est créé. Les significations connotées et dénotées de Roland Barthes sont primordiales pour cet examen. Dans toute œuvre d'art particulière, une interprétation dépend de l'identification du sens dénoté [20] — la reconnaissance d'un signe visuel et du sens connoté [21] — les associations culturelles instantanées qui accompagnent la reconnaissance. La principale préoccupation de l'historien de l'art sémiotique est de trouver des moyens de naviguer et d'interpréter le sens connoté. [22]

L'histoire de l'art sémiotique cherche à découvrir le ou les sens codifiés dans un objet esthétique en examinant sa connexion à une conscience collective. [23] Les historiens de l'art ne s'engagent généralement pas dans une marque particulière de sémiotique, mais construisent plutôt une version amalgamée qu'ils incorporent dans leur collection d'outils analytiques. Par exemple, Meyer Schapiro a emprunté le sens différentiel de Saussure pour tenter de lire les signes tels qu'ils existent dans un système. [24] Selon Schapiro, pour comprendre le sens de la frontalité dans un contexte pictural spécifique, il faut la différencier ou la regarder par rapport à des possibilités alternatives telles qu'un profil ou une vue de trois quarts. Schapiro a combiné cette méthode avec le travail de Charles Sanders Peirce dont l'objet, le signe et l'interprétant ont structuré sa démarche. Alex Potts démontre l'application des concepts de Peirce à la représentation visuelle en les examinant par rapport à la La Joconde. En voyant le La Joconde, par exemple, comme quelque chose au-delà de sa matérialité, c'est l'identifier comme un signe. Il est alors reconnu comme renvoyant à un objet extérieur à lui-même, une femme, ou La Joconde. L'image ne semble pas dénoter une signification religieuse et peut donc être considérée comme un portrait. Cette interprétation conduit à une chaîne d'interprétations possibles : qui était le modèle par rapport à Léonard de Vinci ? Quelle importance avait-elle pour lui ? Ou, peut-être qu'elle est une icône pour toute la gente féminine.Cette chaîne d'interprétation, ou « sémiosis illimitée », est sans fin. Le travail de l'historien de l'art est de poser des limites aux interprétations possibles autant que de révéler de nouvelles possibilités. [25]

La sémiotique fonctionne selon la théorie selon laquelle une image ne peut être comprise que du point de vue du spectateur. L'artiste est supplanté par le spectateur en tant que pourvoyeur de sens, même dans la mesure où une interprétation est toujours valable indépendamment du fait que le créateur l'ait voulu ou non. [25] Rosalind Krauss a épousé ce concept dans son essai « Au nom de Picasso ». Elle dénonce le monopole de l'artiste sur le sens et insiste sur le fait que le sens ne peut être dérivé qu'une fois l'œuvre sortie de son contexte historique et social. Mieke Bal a soutenu de la même manière que le sens n'existe même pas tant que l'image n'est pas observée par le spectateur. Ce n'est qu'après l'avoir reconnu que le sens peut s'ouvrir à d'autres possibles comme le féminisme ou la psychanalyse. [26]

Études muséales et collection Modifier

Les aspects du sujet qui sont apparus au cours des dernières décennies incluent l'intérêt pour le mécénat et la consommation d'art, y compris l'économie du marché de l'art, le rôle des collectionneurs, les intentions et les aspirations de ces commandes d'œuvres, et les réactions des contemporains. et plus tard les téléspectateurs et les propriétaires. Les études muséales, y compris l'histoire de la collection et de l'exposition des musées, sont désormais un domaine d'étude spécialisé, tout comme l'histoire de la collection.

Nouveau matérialisme Modifier

Les progrès scientifiques ont rendu possible une enquête beaucoup plus précise sur les matériaux et les techniques utilisés pour créer des œuvres, en particulier les techniques photographiques infrarouges et aux rayons X qui ont permis de revoir de nombreux sous-dessins de peintures. Une bonne analyse des pigments utilisés dans la peinture est désormais possible, ce qui a bouleversé de nombreuses attributions. La dendrochronologie pour les peintures sur panneaux et la datation au radiocarbone pour les objets anciens en matériaux organiques ont permis aux méthodes scientifiques de datation des objets de confirmer ou d'infirmer des dates dérivées d'analyses stylistiques ou de preuves documentaires. Le développement d'une bonne photographie couleur, désormais conservée sous forme numérique et disponible sur Internet ou par d'autres moyens, a transformé l'étude de nombreux types d'art, en particulier ceux couvrant des objets existant en grand nombre et largement dispersés dans les collections, tels que les manuscrits enluminés et les Miniatures persanes et de nombreux types d'œuvres d'art archéologiques.

Parallèlement à ces avancées technologiques, les historiens de l'art ont manifesté un intérêt croissant pour les nouvelles approches théoriques de la nature des œuvres d'art en tant qu'objets. La théorie des choses, la théorie de l'acteur-réseau et l'ontologie orientée objet ont joué un rôle croissant dans la littérature historique de l'art.

Histoire de l'art nationaliste Modifier

La fabrication de l'art, l'histoire académique de l'art et l'histoire des musées d'art sont étroitement liées à la montée du nationalisme. L'art créé à l'ère moderne, en fait, a souvent été une tentative de générer des sentiments de supériorité nationale ou d'amour de son pays. L'art russe en est un exemple particulièrement bon, car l'avant-garde russe et plus tard l'art soviétique étaient des tentatives pour définir l'identité de ce pays.

La plupart des historiens de l'art qui travaillent aujourd'hui identifient leur spécialité comme l'art d'une culture et d'une période particulières, et souvent ces cultures sont aussi des nations. Par exemple, quelqu'un peut se spécialiser dans l'histoire de l'art allemand ou chinois contemporain du XIXe siècle. L'accent mis sur la nationalité a des racines profondes dans la discipline. En effet, Vasari La vie des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes est une tentative de montrer la supériorité de la culture artistique florentine, et les écrits de Heinrich Wölfflin (en particulier sa monographie sur Albrecht Dürer) tentent de distinguer les styles artistiques italien et allemand.

Bon nombre des musées d'art les plus grands et les mieux financés au monde, tels que le Louvre, le Victoria and Albert Museum et la National Gallery of Art de Washington, appartiennent à l'État. La plupart des pays, en effet, ont une galerie nationale, avec une mission explicite de préserver le patrimoine culturel appartenant au gouvernement - quelles que soient les cultures qui ont créé l'art - et une mission souvent implicite de renforcer le propre patrimoine culturel de ce pays. La National Gallery of Art met ainsi en valeur l'art made in USA, mais possède également des objets du monde entier.

La discipline de l'histoire de l'art est traditionnellement divisée en spécialisations ou concentrations basées sur les époques et les régions, avec une sous-division supplémentaire basée sur les médias. Ainsi, quelqu'un pourrait se spécialiser dans « l'architecture allemande du XIXe siècle » ou dans la « sculpture toscane du XVIe siècle ». Les sous-domaines sont souvent inclus dans une spécialisation. Par exemple, le Proche-Orient antique, la Grèce, Rome et l'Égypte sont tous généralement considérés comme des concentrations spéciales d'art antique. Dans certains cas, ces spécialisations peuvent être étroitement liées (comme la Grèce et Rome, par exemple), alors que dans d'autres, ces alliances sont beaucoup moins naturelles (art indien versus art coréen, par exemple).

Les perspectives non occidentales ou mondiales sur l'art sont devenues de plus en plus prédominantes dans le canon de l'histoire de l'art depuis les années 1980.

« Histoire de l'art contemporain » renvoie à des recherches sur la période des années 1960 à nos jours traduisant la rupture avec les présupposés du modernisme portés par les artistes de la néo-avant-garde [27] et une continuité de l'art contemporain en termes de pratique fondée sur des et les pratiques post-conceptualistes.

Aux États-Unis, la plus importante organisation d'histoire de l'art est la College Art Association. [28] Il organise une conférence annuelle et publie le Bulletin d'art et Revue d'art. Des organisations similaires existent dans d'autres parties du monde, ainsi que pour des spécialisations, telles que l'histoire de l'architecture et l'histoire de l'art de la Renaissance. Au Royaume-Uni, par exemple, l'Association of Art Historians est la première organisation et publie une revue intitulée Histoire de l'art. [29]


Chronologie de la Renaissance anglaise : quelques dates historiques et culturelles

Cette liste offre un aperçu de certaines dates historiques et culturelles de la Renaissance anglaise, avec des liens vers les ressources de nos collections. Pour plus d'informations sur le monde du théâtre élisabéthain et jacobéen en Angleterre, consultez la section Théâtre de la Renaissance.

  • 1558: La reine Elizabeth I est couronnée et Thomas Kyd est né.
  • 1563: Les trente-neuf articles de Martin Luther sont publiés.
  • 1564:William Shakespeare et Christopher Marlowe sont nés.
  • 1569: Le nord de l'Angleterre se rebelle au nom de Mary Queen of Scots.
  • 1570: L'Église catholique excommunie la reine Elizabeth I.
  • 1572:Thomas Dekker et Ben Jonson sont nés.
  • 1574: Le massacre de la Saint-Barthélemy a lieu en Angleterre, sur lequel Marlowe a basé sa pièce Le massacre de Paris.
  • 1576: Le théâtre du Rideau est construit.
  • 1577: Raphael Holinshed publie son Holinsheds Chronicles d'Angleterre, d'Écosse et d'Irlande, le texte source principal de la plupart des pièces d'histoire de Shakespeare.
  • 1578: Jacques VI devient roi d'Écosse.
  • 1580: Francis Drake achève son tour du monde.
  • 1580:Thomas Middleton et John Webster sont nés.
  • 1584: Sir Walter Raleigh établit la première colonie anglaise dans le Nouveau Monde.
  • 1585-1604: L'Angleterre est en guerre avec l'Espagne.
  • 1586: Le complot de Babington visant à assassiner la reine Elizabeth I et à placer Mary Queen of Scots sur le trône est découvert.
  • 1587: Mary Queen of Scots est exécutée à la Tour de Londres.
  • 1587: L'imprésario de théâtre Phillip Henslowe construit le théâtre Rose.
  • 1588: L'Armada espagnole est détruite par la flotte anglaise.
  • 1592: Christopher Marlowe est arrêté à Flushing aux Pays-Bas pour frappe.
  • 1592: celui de Thomas Kyd La tragédie espagnole est publié.
  • 1592: Des émeutes anti-extraterrestres éclatent à Londres.
  • 1593: Les cinémas sont fermés pour cause de peste.
  • 1593: Christopher Marlowe est assassiné, Shakespeare's Vénus et Adonis est publié.
  • 1594: Les théâtres rouvrent, Thomas Kyd meurt et les premières représentations enregistrées de Shakespeare Titus Andronicus et La Mégère apprivoisée prend place.
  • 1597-1601: L'Irlande se rebelle contre l'Angleterre.
  • 1597: La performance de Ben Jonson et Thomas Nashe L'île aux chiens entraîne l'arrestation de Jonson, il est libéré quelques mois plus tard.
  • 1599: Le comte d'Essex est arrêté, le théâtre du Globe est construit, Shakespeare's Henri V, Jules César, Comme vous l'aimez, Hamlet, et Beaucoup de bruit pour rien ouvert, et Dekker's Les vacances du cordonnier s'ouvre.
  • 1599-1602: Ben Jonson affronte John Marston et Thomas Dekker avec intelligence et paroles dans la guerre des théâtres, ou Poetomachia.
  • 1600: La reine Elizabeth I accorde sa charte à la Compagnie des Indes orientales.
  • 1601: Le comte d'Essex est exécuté.
  • 1602: celui de Shakespeare Douzième Nuit s'ouvre.
  • 1603: La reine Elizabeth I meurt et Jacques VI d'Écosse devient le roi Jacques Ier d'Angleterre.
  • 1605: Le complot de la poudre à canon est déjoué et Guy Fawkes appréhendé, celui de Ben Jon Volpone ouvre, et Thomas Middleton et Thomas Dekker's La fille rugissante est joué au théâtre The Fortune.
  • 1606: Les premières représentations enregistrées de Shakespeare Le Roi Lear et celui de Middleton La tragédie du vengeur prend place.
  • 1608: John Milton est né.
  • 1610: celui de Ben Jonson L'alchimiste s'ouvre.
  • 1612-1618: Thomas Dekker est en prison pour dettes.
  • 1612: celui de John Webster Le Diable Blanc s'ouvre.
  • 1613: Le théâtre du Globe brûle lors d'une représentation de Shakespeare Henri VIII.
  • 1614: Les plans commencent pour le match espagnol entre le prince Charles d'Angleterre et la princesse Anna Maria d'Espagne, John Webster's La duchesse de Malfi s'ouvre et le Globe est reconstruit.
  • 1616: William Shakespeare meurt, le roi Jacques Ier publie ses œuvres complètes, et Le premier folio de Ben Jonson est publié.
  • 1617: Ben Jonson est nommé premier poète officiel d'Angleterre.
  • 1623:Le premier folio de Shakespeare est publié, et les négociations pour le match espagnol s'effondrent.
  • 1624-1630: L'Angleterre fait la guerre à l'Espagne.
  • 1624: celui de Middleton Un jeu d'échecs s'ouvre.
  • 1625: Le roi Jacques Ier meurt et est remplacé par le roi Charles Ier.
  • 1627-1629: L'Angleterre fait la guerre à la France.
  • 1627: Thomas Middleton décède.
  • 1632: Thomas Dekker décède.
  • 1634: John Webster meurt.
  • 1637: Ben Jonson meurt.
  • 1642: La guerre civile anglaise commence et le parlement puritain interdit le théâtre et ferme les théâtres.

Pour plus d'informations sur l'histoire, jetez un œil à Victorian Poetry and Fiction: Some Historical and Cultural Dates de Charlotte Barrett.


Chronologie des inventions de la Renaissance

Il y a eu beaucoup de choses géniales et innovantes qui ont été inventées pendant la Renaissance. La chronologie des inventions de la Renaissance est donnée dans cet article.

Il y a eu beaucoup de choses géniales et innovantes qui ont été inventées pendant la Renaissance. La chronologie des inventions de la Renaissance est donnée dans cet article.

La Renaissance est un mouvement culturel qui a eu lieu en Europe entre le 14e et le 17e siècle. L'épicentre de ce mouvement était à Florence, en Italie, qui s'est progressivement étendu à Rome et au reste de l'Europe. Ce fut une période dorée qui a conduit au développement de l'art, de la littérature et de la culture. On pense souvent que c'est un mouvement qui a conduit à la naissance de l'ère moderne avec une pensée et une perspective modernes. Bien que l'époque soit mieux connue pour ses développements artistiques tels que vus par les œuvres de Léonard de Vinci et de Michel-Ange, il y a eu de nombreuses inventions notables au cours de cette période. L'une des plus importantes est peut-être l'imprimerie, qui a marqué un changement de paradigme dans l'éducation et la littérature. Pour élaborer davantage, la chronologie des inventions de la Renaissance est donnée dans les paragraphes ci-dessous.

Inventions majeures

Au cours de la Renaissance, de nombreuses nouvelles inventions et découvertes ont été faites, qui ont changé la façon dont les gens travaillaient ou regardaient les choses. Certaines des choses de tous les jours que nous utilisons aujourd'hui sont celles inventées pendant cette période. Ils étaient tous vraiment révolutionnaires et uniques, et le monde est ce qu'il est aujourd'hui grâce à eux.

Année Les inventions et découvertes
1300 La première horloge mécanique.
1366 Balances pour le pesage.
1400 La première balle de golf a été inventée
1411 La gâchette du pistolet. Le premier piano appelé l'épinette a été inventé.
1420 La peinture à l'huile a été inventée.
1421 Engins de levage inventés à Florence.
1450 Verres pour myopes inventés par Nicolas de Cues.
1456 Presse à imprimer de Gutenberg.
1465 Invention des gravures à la pointe sèche.
1475 Fusils à chargement par la bouche inventés en Italie.
1485 Léonard de Vinci a conçu le premier parachute.
1487 La cloche sonne.
1494 Whisky en Ecosse.
1500 Les premières toilettes à chasse d'eau ont été invitées.
1510 Montre de poche inventée par Peter Henlein.
1514 Nicolaus Copernicus a établi le fait que le centre de l'univers n'est pas la Terre, mais que la Terre se trouve à proximité.
1520 Ferdinand Magellan est devenu le premier Européen à apercevoir une galaxie dans le ciel, et il l'a nommée “Magellan Penguin”. Il a également découvert le détroit de Magellan.
1568 La bière en bouteille a été inventée à Londres.
1589 Machine à tricoter inventée par William Lee.
1590 Microscope composé inventé par Zacharias Janssen.
1593 Galileo Galilei a inventé le thermomètre à eau.
1608 Le premier télescope réfracteur a été inventé par Hans Lippershey.
1620 Le premier sous-marin a été inventé par Cornelis Drebbel.
1624 La règle à calcul a été inventée par William Oughtred.
1625 La méthode de transfusion sanguine a été inventée par Jean Baptiste Denys.
1636 W. Gascoigne invente le micromètre.
1642 Machine à additionner inventée par Blaise Pascal.
1643 Baromètre inventé par Torricelli.
1650 La première pompe à air.
1656 L'horloge à pendule a été inventée par Christian Huygens.
1660 L'horloge à coucou a d'abord été fabriquée en Forêt-Noire, en Allemagne.
1663 Le premier télescope à réflexion a été construit par James Gregory.
1670 Le champagne a été inventé par Dom Pérignon.
1671 La première machine à calculer inventée par Gottfried Wilhelm Leibniz.
1671 Sir Isaac Newton publie son ouvrage majeur, Principia, qui contient les trois lois du mouvement et la loi de la gravitation universelle.
1679 Autocuiseur inventé par Denis Papin.
1698 Pompe à vapeur inventée par Thomas Savery.

Ce sont quelques-unes des découvertes et des innovations de la Renaissance. La liste ci-dessus vous aidera à vous faire une meilleure idée de l'ordre chronologique dans lequel elles ont été faites. Toutes ces inventions ont eu un grand impact dans l'évolution des arts et de la science, et sont donc très importantes pour l'humanité.


Qu'est-ce que la Renaissance italienne ?

La Renaissance italienne a eu lieu entre le XIVe et le XVIIe siècle en Italie. Dérivé du mot Rinascimento, ou « renaissance », la Renaissance est généralement considérée comme une époque éclairée de l'art et de l'architecture en raison d'un intérêt culturel renouvelé pour l'antiquité classique.

« Le début de la Renaissance » désigne la période entre 1400 et 1490, lorsque des artistes comme Fra Angelico et Botticelli ont commencé à expérimenter le réalisme.

Sandro Botticelli, La naissance de Vénus (années 1480) (Photo : Offices via Wikimedia Commons)

Entre 1490 et 1527, des artistes italiens bien connus comme Da Vinci, Michel-Ange et Raphaël ont produit des œuvres d'art particulièrement célèbres. Cette période est souvent appelée la « Haute Renaissance ».


Renaissance et Réforme

La peste noire, qui a été l'une des pandémies les plus dévastatrices de l'histoire, a tué environ 30 à 60% de la population européenne.

Début de la Renaissance

Mouvement intellectuel et artistique, la Renaissance est une période de croissance et d'expansion pour les arts, ainsi que pour les sciences.

Jeanne d'Arc et le siège d'Orléans

Le tournant de la guerre de 100 ans entre l'Angleterre et la France fut aussi la première victoire militaire de Jeanne d'Arc.

Johann Gutenberg invente l'imprimerie

L'invention de l'imprimerie a révolutionné les études des arts et des sciences, ainsi que la fabrication des livres.

Début de l'Inquisition espagnole

Conçu pour se débarrasser de tous les non-catholiques (c'est-à-dire les juifs et les musulmans), ce fut l'une des inquisitions les plus meurtrières de tous les temps.

Botticelli peint la naissance de Vénus

L'une des œuvres d'art les plus célèbres de la Renaissance, elle a été peinte à la suite de l'Académie platonicienne. La peinture était controversée en raison de sa nature sexuelle repoussant les limites à l'époque.

Colomb découvre les Amériques

La découverte de Christophe Colomb conduirait à la création des Amériques 100 ans plus tard, ce qui conduirait au monde occidental tel que nous le connaissons.

Guerres d'Italie

Une série de conflits qui ont surgi en raison de différends dynastiques sur le duché de Milan et le royaume de Naples.

Michel-Ange peint la chapelle Sixtine

Forcé par le Pape, 9 scènes de l'ancien testament ont été peintes sur les murs et les plafonds de la chapelle par Michel-Ange.

Machiavel écrit le prince

Considéré comme l'un des premiers ouvrages de philosophie moderne, il a été publié après la mort de Machiavel par crainte de controverse.

Martin Luther 95 thèses

En affichant ses problèmes avec l'église sur la porte de l'église, il a été excommunié de l'église catholique, il a créé la forme de christianisme que nous connaissons aujourd'hui comme protestante.

Régime de vers

Le régime le plus célèbre (discussion impériale) des vers était celui auquel Martin Luther a assisté en 1521, où il a été considéré comme un hérétique et banni du Saint Empire.

67 thèses

Lors de la Dispute de Zurich, Ulrich Zwingli a présenté ses 67 thèses, qui comprenaient de nombreux sujets et -parce qu'elles ont été couronnées de succès- ont provoqué une vaste réforme.

Début de la guerre de religions européenne

Les guerres, menées entre les catholiques et les protestants, ont été causées par la Réforme protestante en Europe occidentale et septentrionale.

La révolte paysanne

Irrités par le système féodal et la hausse des prix, les paysans allemands décidèrent de se révolter -pacifiquement au début- mais cela devint vite mortel--plus de 40 monastères et châteaux allemands furent incendiés.

Revendication des Phlilppines

Ferdinand Magellan revendique les Philippines pour l'Espagne, qui devient la première conversion ultérieure au catholicisme et la première en Asie de l'Est.

La confession d'Augsbourg

Créé à la suite de la réunion du Parlement et de la résolution des problèmes politiques, sociaux et religieux créés par la Réforme, le document est toujours la norme doctrinale luthérienne.

La Ligue Schmalkaldique

Formé à l'hiver 1530 en tant qu'alliance défensive contre l'empire.

Henri VIII d'Angleterre excommunié

En raison de l'annulation de son premier mariage et de son remariage sans la permission de l'église, Henri VIII d'Angleterre a été excommunié.

Acte de suprématie

Henri VIII est déclaré chef suprême de l'Église d'Angleterre.

Création de l'Église d'Angleterre

Henri VIII établit la nouvelle entité indépendante Église d'Angleterre.

Exécution de Thomas More

Thomas More a été exécuté par le roi Henri VIII lorsqu'il a refusé d'accepter sa prétention à être le chef suprême de l'Église d'Angleterre.

Quarante martyrs d'Angleterre et du Pays de Galles

Un groupe d'hommes et de femmes qui ont été exécutés pour trahison et infractions connexes au Royaume d'Angleterre.

Fondation des Mennonites

Créé par Menno Simmons, ce groupe a influencé les huttérites, les quakers, les baptistes et les amish.

Création de l'Inquisition romaine

L'Inquisition romaine était un système de tribunaux (un peu comme un système judiciaire) chargé de poursuivre les personnes accusées d'un large éventail de crimes liés à la doctrine religieuse / aux croyances religieuses alternatives.

Fondation de l'Ordre des Jésuites

L'Ordre des Jésuites, fondé par Ignace de Loyola, a diffusé la parole de Dieu parmi les membres de la Compagnie de Jésus, connus sous le nom de Jésuites et considérés comme les soldats de Dieu.

Articles de religion

Quarante-deux articles de religion est publié par l'archevêque Crammer.

Fondation de l'Université pontificale grégorienne

L'Université grégorienne a été la première université fondée par les jésuites, la grégorienne possède l'un des plus grands départements de théologie au monde.

La paix d'Augsbourg

Un édit de tolérance pour le luthéranisme, le résultat est devenu connu sous le nom de "cuius regio, euis religio", ce qui signifie que chaque prince pouvait choisir la religion de sa région.

Création de l'église anglicane

L'établissement de l'église anglicane est complété par les Trente-neuf articles

Le catéchisme de Heidelberg

L'une des déclarations de foi calvinistes les plus importantes, c'est un document confessionnel protestant utilisé dans les enseignements de la doctrine chrétienne réformée.

Organisation de la Sainte Ligue

Le pape Pie V organise la Sainte Ligue, dirigée par Don Juan de Austria, pour défendre l'Europe contre les forces ottomanes islamiques plus importantes.

Publication de la Bible des évêques

Cette bible, une révision de la Grande Bible comparée au texte hébreu, est considérée comme la première bible publiée en Angleterre par l'autorité épiscopale.

Massacre de la Saint-Barthélemy

Des foules de catholiques français ont tué des protestants pendant les guerres de religion françaises, on pense que le massacre a commencé en raison du roi Charles le 9e&# 39s soeur Margaret épousant le roi protestant Henri le 4e.

Expulsion des jésuites

Les jésuites sont expulsés de Kyushu par Toyotomi Hideyoshi.

Mission Nombre De Dios

Cette mission à St. Augustine, en Floride, est considérée comme la première mission catholique en Amérique du Nord.

Formation de l'Église catholique ukrainienne

L'église est formée après la réunion des sujets ukrainiens du roi de Pologne avec Rome, c'est aussi la plus grande église catholique byzantine.

Octroi de la Charte

Elizabeth 1er accorde une charte à la Compagnie des Indes orientales, ce qui offre plus d'opportunités de commerce.

La guerre de trente ans

L'Allemagne a été envahie par les armées impériales autrichiennes, puis plus tard par les Suédois qui sont venus aider les protestants à cette époque, la société s'est effondrée et les deux tiers de la population sont morts de famine, de guerre et de peste.

La paix de Westphalie

Cette série de traités marqua le début de la séparation de l'Église et de l'État, et les calvinistes furent ajoutés à la liste des régions tolérées, ce qui apporta la stabilité.


Voir la vidéo: Comprendre la Renaissance italienne